Искусство — загадка!

[ВАЛЕНОК]

Что происходит на этой картине между Джанни Скикки и Каппокио

 

Среди всех гениальных полотен Вильгельма-Адольфа Бугро, пожалуй, нет более выразительной и яркой, чем "Данте и Вергилий в аду".

 

Бугро написал её на раннем этапе своего творчества, пытаясь превзойти по замыслу и экспрессии своего кумира Эжена Делакруа, который написал "Ладью Данте" на раннем этапе своего творчества, взяв за основу сюжет из "Божественной комедии" Данте.

 

 

Бугро также решил взять за основу сюжет из "Божественной комедии", как бы противопоставив себя своему кумиру. Он очень тщательно подошёл к подготовке полотна, изучив досконально анатомию, чтобы суметь выразить максимально кульминацию страстей при помощи гипертрофированных мускулов, вздувшихся в момент крайнего напряжения.

Впрочем, тогда бодибилдинга не существовало, так что сейчас фигуры действующих лиц не кажутся избыточно мускулистыми и напоминают современных тренеров по фитнесу.

 

Кроме того, на картине появляются сверхъестетвенные существа, чтобы подчеркнуть ужасающую атмосферу, царящую в аду. О ней так же говорят и лица главных героев – Вергилия и Данте. За основу сюжета взят вот этот отрывок из поэмы:

22 Но ни троянский гнев, ни ярость Фив
Свирепей не являли исступлений,
Зверям иль людям тело изъязвив,

25 Чем предо мной две бледных голых тени,
Которые, кусая всех кругом,
Неслись, как боров, поломавший сени.

28 Одна Капоккьо в шею вгрызлась ртом
И с ним помчалась; испуская крики,
Он скреб о жесткий камень животом.

31 Дрожа всем телом: "Это Джанни Скикки, -
Промолвил аретинец. - Всем постыл,
Он донимает всех, такой вот дикий".

Что примечательно: и Скикки и Капоккьо – реально существовашие люди, попавшие в ту область ада, где обитали души фальсификаторов.

 

 

 

Джанни Скикки – был прирождённым актёром. Его друг, узнав, что дядя лишил его завещания, предложил Скикки сыграть его дядю при смерти. Самого дядю они убили, а Скикки сыграл его роль для приглашённого нотариуса, чтобы составить фальшивое завещание. После чего, объявили дядю умершим, и друг Скикки получил наследство.

По некоторым данным, жена Данте Джемма была роднёй убитому богачу и пострадала в результате переделки наследства.

Капоккьо же был приятелем Данте в юности, об этом Вергилий говорит герою: "ты должен вспомнить, если глаз не изменяет мне". Они вместе изучали физику и естественную историю, но позже Капоккьо стал алхимиком и научился искусно подделывать золото.

Доподлинно неизвестно, когда он родился, но если предположить, что они с Данте ровесники, то примерно в 1265 году. Зато доподлинно известна дата его смерти: 15 августа 1293 года. Он был заживо сожжён в Сиене за занятие алхимией и ересь.

Ну, а картина целиком выглядит так

[ВАЛЕНОК]

Дерзость художника Веронезе перед судом инквизиции. Вопросов больше, чем ответов

18 июля 1573 года темный и угрюмый средневековый мир готовился услышать смертный приговор художнику за созданное им полотно для трапезной венецианского монастыря...

Веронезе сам, своевольно внес в картину "Тайная вечеря" всякое непотребство, а именно, угодливых слуг с подносами, как на пиру, мавританских мальцов, потешных карликов, музыкантов, довольного пса, двух немецких воинов с вином, и самое возмутительное(!) ...шута с попугаем в руке.

Суд инквизиции, имевший в Венеции неограниченные полномочия для борьбы с распространением ересей, расследовал каждую деталь картины.

Издевательство над христианской верой для монастыря!!!

Также выглядело весьма помпезным то, что на полотне размером 555 на 1280 см Христос излагает заповеди о смирении и христианской любви своим ученикам в роскошном дворце с тремя величественными арками.

П.Веронезе. Пир в доме Левия

Как выяснил, согласно архивов, старший редактор галереи Тейт в Лондоне Ли Чешир, на обвинения суда Веронезе ответил так:

– Художники пользуются теми же вольностями, как поэты и сумасшедшие.

Инквизиторы попытаются протянуть ему соломинку:

–Кто-нибудь Вам приказывал изображать...?

И услышат категоричный ответ:

–Нет!

Фрагмент

Автор потешался над святынями на картине и теперь перед судом инквизиции! Неслыханная дерзость и неуважение к суду. Автор ни в чем не каялся. Он добавил только:

"Я пишу картины со всеми теми соображениями, которые свойственны моему уму..."

И если уж говорить о поэтах. Инквизиторы знали, что у Вергилия есть фраза не в пользу Веронезе: "Alitur vitium vivitque tegendo" (Сокрытие зла питает и оживляет его).

Остается загадкой, как суд, имеющий все доказательства тяжелой вины Веронезе, отправивший на костер сотни невинных, дал художнику 3 месяца на переделку. Видимо, про себя они оценили гениальность мастера?

И Веронезе НЕ ИСПОЛНИТ решение суда!!!

Фрагмент

Он не сделает ни одного мазка согласно рекомендациям инквизиции. Просто назовет картину иначе.

Теперь это не "Тайная вечеря", а "Пир в доме Левия". Веронезе снова будет испытывать судьбу.

И снова судьба к нему милостива, хотя впоследствии Контрреформация будет запрещать его сюжеты для публики.

В 1588 году вольнодумец Веронезе умрет в любимой им Венеции, но не костре, он заразится лихорадкой, оставив множество эскизов и этюдов сыновьям для продолжения великого дела отца.

Фрагмент

После ухода мастера и смутьяна нравов, его брат и сыновья тоже проявят характер и волю – они добьются, чтобы художник был похоронен в церкви Св. Себастьяна, над убранством которой он работал.

Смелость художника мы оценили по праву. Но с другой стороны, не заложил ли он прецедент, когда одну сцену в силу обстоятельств художник может переименовать в другую, один смысл подменить другим, одну концепцию – другой и т.д.

Искусствоведы, конечно, выпутались. Они нашли признаки и "Тайной вечери", и "Пира в доме Левия". Но так ведь Шишкин при случае мог "Корабельную рощу" назвать "Лесом сказок", а Перов "Тройку" – "Детскими забавами" и т.д.

[ВАЛЕНОК]

"Нехорошая картина": как работа художника принесла несчастье в королевскую семью

 

- Мне нравится сюжет! – Воскликнула принцесса. – Очень романтично!

В 1838 году дочь короля Франции заказала картину у молодого, но уже популярного английского живописца. Сюжет был необычным: юная и прекрасная девушка умирает за день до свадьбы, а её жених рыдает у изголовья. Несколько месяцев спустя, когда полотно ещё не было закончено, принцесса скончалась. "Нехорошая картина", - шептались во дворце. Ведь работа художника принесла несчастье в королевскую семью.

"Невеста смерти", полотно Т.Д.Баркера

«Прелестное дитя», - так говорили о Марии Орлеанской. Она была нежным созданием, словно нераспустившийся бутон розы. Очаровательная, добрая, совершенно лишённая лукавства или кокетства. Мария не хотела понравиться другим – её и так безоговорочно любили. За весёлый и лёгкий нрав, за кротость и бесчисленные таланты.

Она говорила на четырёх языках, прекрасно музицировала, писала стихи и занималась скульптурой. Ее отцом был король Франции Луи-Филипп I, а матерью – неаполитанская принцесса Мария-Амалия. Королева живо интересовалась историей и генеалогией, обожала рассматривать атласы по географии и настояла, чтобы все её многочисленные дети получили превосходное образование. Учитывались склонности каждого. Если старшая дочь проявляла старание к живописи, ей наняли соответствующих учителей. А для Марии создали мастерскую, где она могла создавать глиняные модели, которые потом воспроизводились в мраморе. «Ваша дочь невероятно талантлива, мадам», - говорили королеве.

 

В 1832-м году старшую сестру Марии выдали замуж за короля Бельгии. Девушка была равнодушна к своему жениху (старше её на двадцать два года), он отвечал ей тем же. Но Франция буквально настаивала на этом союзе. Дело в том, что Леопольд I был королем-новичком. Его только-только избрали на царство в Бельгии, и все знали, что государь находится под сильным английским влиянием. Более того! Его первой супругой была печально известная принцесса Шарлотта Уэльская, умершая совсем молодой. В Париже решили: если женить Леопольда на французской принцессе, удастся сделать Бельгию чуть более «своей».

фрагмент портрета Марии Орлеанской кисти А.Шеффера

И этот брак оказал огромное влияние на судьбу Марии. Бельгийский король предложил Франции ещё теснее соединиться узами родства. Он выдвинул кандидатуру своего родственника, принца Александра Вюртембергского, в женихи Марии. Любопытно, что принц родился в Российской империи, был прикомандирован к Семёновскому полку, а после произведён в генерал-майоры. И вот в начале 1837 года Александр приехал свататься в Париж.

Невеста произвела на него самое лучшее впечатление. В октябре в Версале сыграли свадьбу, и вскоре молодожён с восторгом признавался: «Я обрёл истинное счастье!». Немецкая родня, с которой после свадьбы познакомилась Мария Орлеанская, тоже выглядела очень довольной. Они ожидали увидеть требовательную принцессу, воспитанную среди роскоши, а к ним приехала милая молодая дама, напрочь лишённая замашек избалованной особы.

мастерская Марии Орлеанской, изображенная П.Лафайе

Узнав, что она в положении, Мария упросила: поедем в Париж! Ей будет намного спокойнее возле своей родни. Принц Александр не стал возражать, и багаж собрали быстро. Оказавшись дома, Мария радовалась каждому новому дню, хотя чувствовала себя неважно. Отец рекомендовал ей английского художника, чьими работами он был очень доволен, и Мария решила взглянуть на творчество Томаса Джонса Баркера. А познакомившись с ним, решила заказать картину.

Это полотно они придумали вместе. Жанровые картины входили в моду, причем в живописи царили романтизм и таинственность. «Невеста смерти» - такой сюжет выбрала Мария Орлеанская. На полотне всё внимание должна была приковывать фигура молодой прекрасной женщины в белом, которая только что издала свой последний вздох. Чуть поодаль – фигура мужская, поглощённая своим горем. Каждая деталь была говорящей: жемчуг символизировал чистоту невесты, безмятежный лунный пейзаж за окном – её новый путь туда, где царит вечное спокойствие…

Малыш родился 30 июля 1838 года. Мальчика называли Филиппом, но радость семьи была кратковременной. Почти сразу выяснилось, что состояние здоровья Марии крайне тяжелое. «Её нужно отвезти на юг», - рекомендовали королевские лекари. В поездке принцессу сопровождал муж и брат, а вот новорождённого решили оставить в Париже.

принц Александр Вюртембергский на полотне Ф.Винтерхальтера

Теплый воздух Пизы поначалу произвел свой благотворный эффект, и Мария приободрилась. Но очень скоро ей снова стало плохо. Ее душил кашель, и, прикладывая к губам платок, принцесса всё чаще видела, что он окрасился в красное… Александр был уверен, что причина - в нерасторопности французских лекарей, которые слишком поздно обнаружили признаки чахотки. 6 января 1839 года Марии не стало. «Никто не может представить глубину моего горя», - отчаянно написал в Париж принц Александр.

 

Картина не была закончена даже наполовину, когда умерла Мария. Сестра оплатила художнику работу, и забрала полотно в королевский дворец. А когда с рамы скинули покрывало, и все увидели, каков сюжет, по залу прокатился рокот недоумения. «Нехорошая картина!», - решили в Париже. Вскоре уже вся столица только и говорила, что о «Невесте смерти». О том, что работа художника принесла несчастье в королевскую семью.

Скептики уверяли – полотно совершенно не сыграло роли в истории Марии Орлеанской. Да и с её младшей сестрой Клементиной, выкупившей произведение Томаса Джонса Баркера, ничего подобного не произошло. Она прожила долгую жизнь! Но публика любит красивые легенды, и эта – одна из них.

королевская капелла в Дрё, где нашла вечный приют Мария Орлеанская

К слову, Томас Джонас Баркер получил за эту работу Орден Почетного легиона от короля Франции.

[ВАЛЕНОК]

Атлет эпохи Возрождения

«Он похож на героя из комиксов Марвелл!» - смеялся английский историк. Скульптурное изображение Козимо Медичи, действительно, было хоть куда: развитые мышцы, словно их обладатель по много часов в ежедневном режиме проводил в зале для тренировок. «Фотошоп, - продолжал свою мысль телеведущий. – Только в скульптурном варианте». И попал впросак. Бенвенуто Челлини вовсе не пытался сделать своего заказчика лучше, чем он был. Потому что Козимо Медичи – самый настоящий атлет эпохи Возрождения.

 

 

 

Козимо Медичи, скульптурное изображение работы Б.Челлини

О правителях Флоренции слагали много легенд: об их баснословном богатстве, об их увлечении ядами, о том, как они сумели за небольшой срок попасть на самый верх. Козимо Медичи вставал еще до рассвета, изучал документы, принимал чиновников. Бюрократией он занимался до полудня или чуть позже, а потом, во второй половине дня, неизменно посвящал время физическим упражнениям. Иногда это была верховая езда (не прогулка в парке, а именно тренировка). Любил герцог и подолгу плавать в реке Арно.

Плавал он видимо брассом, так как бледнолицые переселенцы подсмотрели кроль у североамериканских индейцев только пару веков спустя. Козимо любил прыгать в воду с обрывистого берега, чем однажды воспользовались заговорщики, воткнув в дно острые лезвия. Однако сопровождающие их вовремя заметили. А еще герцог увлекался поднятием тяжестей. Ну нравились ему тяжелые железки.

Средневековье и даже Ренессанс у нас обычно мало ассоциируются со спортом. Один из наиболее выдающихся раннехристианских писателей и теологов Тертуллиан (тот самый, что сформулировал тезис, на бытовом уровне звучащий, как «Верую, ибо абсурдно»), считал, что гимнастика – есть деяние темных сил. Правда, к проявлениям «зла» он легко относил и театр, и веселые песни, и… много еще что. Но мысль укоренилась на столетия. Исключения делались для феодалов и профессиональных воинов. Правда, тренировки имели сугубо военно-прикладную направленность.

 

 

 

средневековая миниатюра

Однако интерес к познаниям пересилил дремучесть. Люди озаботились своим здоровьем и внешним видом и начали выполнять физические упражнения не только в рамках подготовки к сражениям. Из творчества Франсуа Рабле, следует, что использование гантелей, тренировки на перекладине и на деревянном коне, а еще лазание по канату в XV – XVI веках считались занятиями вполне достойными. Примерно тогда же физические упражнения с тяжестями стали популярны и при английском дворе. При этом использовалась предшественница штанги, палка, на концы которой были подвешены свинцовые грузила.

Спрос рождал предложение. Вскоре появились первые книги по спортивной тематике. Во второй половине XVI века врач Джироламо Меркуриале опубликовал трактат «De arte gymnastica». Он состоял из шести книг, в которых было подробно рассмотрено множество упражнений, включая даже приемы борьбы, и заложены основы спортивной медицины.

Не избежали подобных увлечений и многие коронованные особы. Известным любителем спорта был Генрих VIII – тот, который шел к алтарю шесть раз и отправил на плаху двух своих жен. Он построил для себя и придворных несколько спортивных комплексов в Гринвиче, Хэмптон-Корте и Уайтхолле. Король обожал теннис, нередко играл в футбол (а тогда это было опасное занятие, правил не было и все обычно заканчивалось дракой), а в его сокровищнице в Хэмптон-Корте хранился набор оловянных отягощений «для развития рук мужчины». А вот располнел Генрих VIII намного позже.

 

 

 

миниатюра XVII века

Генрих VIII был крупным мужчиной ростом 187 см., что для начала XVI века было очень неплохо, обладал огромной физической силой и был очень уверен с себе. Эта уверенность его однажды и подвела. Во время личной встречи Генрих вызвал короля Франциска I на борцовский поединок. Его не испугал даже рост противника – 198 сантиметров. Возможно, он не знал, что Франциск много лет увлекается борьбой? Это не особо афишировалось, поскольку борьба считалась занятием для простолюдинов, недостойным короля. Франциск моментально провел захват и бросил противника на землю, чем нанес Генриху не столько физическую, а скорее незаживающую моральную травму.

А что с Козимо Медичи? Все-таки польстил ему Челлини? Давайте посмотрим еще один портрет Козимо, на этот раз работы Аньоло Бронзино. Здесь герцог изображен в образе влюбленного Орфея. В отличие от скульптуры Челлини, он не должен был приводить в трепет подданных и гостей Флоренции. Портрет предназначался для сугубо личного использования, и Козимо подарил его своей жене, Элеоноре Толедской.

 

 

 

Козимо в образе Орфея на портрете А.Бронзино

Супруги Медичи были примером долгой и мирной семейной жизни. Элеонора пользовалась доверием у мужа, который даже оставлял её регентом на время своего отсутствия. Поэтому в подаренном портрете не было смысла что-то приукрашивать. В конце концов Элеонора (родившая герцогу одиннадцать детей), точно бы заметила разницу. Вот это и есть объективный источник, позволяющий оценить весьма достойное состояние дельтовидных, широких и широчайших мышц Козимо. Эффект от тренировок вполне заметен.

А автор английской программы про Козимо Медичи на ВВС, осмеявший физическую подготовку правителя Флоренции, просто был не в теме.

[ВАЛЕНОК]

Назвали Караваджо революционером в живописи, а что эта революция выражала духовно – молчок

Газеты ХVI в. были преимущественно рукописными и не имели строгой периодичности… Несмотря на незатейливость этих газетных предтеч, они, несомненно, сыграли важную роль в распространении информации, потребность в которой возрастала пропорционально умножению торговых и культурных связей, расширению горизонтов Старого света, религиозным катаклизмам и перманентным военным баталиям.

Караваджо. Медуза. Ок. 1597.

которое выступает из тени с каким-то поразительным внутренним светом…».

Ну неправда же! Свет как раз не внутренний, а внешний – слева, чуть сверху и ровно с боку. И источник этого света довольно сосредоточенный, судя по довольно тёмному тону неосвещённой части лица.

В этом формально и заключалась значительная часть революции. Свет представал как реальный, а не условный (у предшественников).

Понтормо. Снятие с креста. 1526-1528.

У Понтормо свет кричит о необходимости вернуться к духовности. Кричит от катастрофической аморальности католической церкви. От засилья телесности.

У Беллини свет (цветом) кричал, наоборот, о засилье аскетизма.

Филиппо Беллини. Портрет папы Сикста V. Между 1585 и 1590.

Но у обоих маньеризмов (а это они) свет и цвет не реальные.

«…внутренним светом. И хотя это искажённое лицо женщины одновременно и отталкивающе, и привлекательно, уходя их этого зала, тебя тянет обратно вернуться.

Автор этой картины

Микеланджело Меризи да Караваджо. Великий художник, революционер в области искусства… Начать я хочу с такого банального, наверно, вопроса: ваша картина Караваджо, первая, которая всплыла в памяти перед лицом, когда вы слышите это имя, которая на вас произвела наибольшее впечатление? Вкратце.

 

«Пугающее и построенное на иллюзии».

 Пугание – чтоб вызвать отрицательную эмоцию. А тогда шла война Реформации с Контрреформацией, уже надоевшая и за кровавость, и за далёкую от народа абстрактность (не аморальна ль плата за индульгенции или не раздрай ли избрание пастора за заслуги). Вот ныне в соцсетях запрещён отвратительный контент. Так «Медуза» как раз и содержит такой. Это как бы призыв прекратить войну.

«Когда мне посчастливилось первый раз попасть в Рим, у меня, собственно, было две цели… Одна цель это была "Святая Тереза" Бернини, а вторая "Обращение Савла" Караваджо».

Это как Христос с неба ослепил гонителя христиан Савла и голосом велел ему перемениться. И тот потом прозрел и стал апостолом Павлом.

Караваджо. Обращение Савла. 1601.

«К счастью мне удалось посмотреть только одну вещь. А "Обращение Савла" было на потом. Очень хотелось её увидеть живьём, потому что мне кажется, что Караваджо мы воспринимаем как такого авангардиста-левака, хулигана и бандита. Благо, всё это имеет основания. А это мудрая вещь».

Переписывая это с голоса, я второй раз слушаю передачу. Так я не помню обоснования мудрости в первый раз (и потому-то и затеял спор). Может, я с более позднего момента стал смотреть телепередачу. И что там я процитирую в скором будущем, я не знаю. А барокко – идеостиль, который открыл Караваджо – если охарактеризовать идеостиль одним словом – это будет слово «мудрость». Отказ от крайностей продемонстрированных выше маньеризмов (аскетического и разнузданного), соответствующих Реформации и Контрреформации, соответствующих протестантам (рванувшимся ОТ развратных католиков) и католикам (рванувшимся раскол преодолеть). И мудрость барокко можно перефразировать поговоркой: чума на оба ваши дома. Ибо затеялась религиозная война в Западной и Центральной Европе и длилась столетие в XVI и XVII веках. И всем надоела. А Караваджо оказался в её временной середине.

«Она для Караваджо удивительно спокойная. Она тебя вызывает из времени. Она помните, как она построена? Савл, преследователь христиан, движется в Дамаск. Раздаётся Голос с неба: "Савл, зачем ты гонишь меня?" Он падает с коня. Слепнет. Это барочная эффектная картина. Сама сцена…».

А по-моему, не сама сцена, а визуальное столкновение светлого и тёмного.

«И так её и решают в основном. А Караваджо создаёт ощущение, наступившего вневременного покоя, когда, вот, он падает с лошади, вздевает руки к небу. Он обнимает шар некий, который невидим. Туда падает свет…».

Не туда, а на гриву лошади, главным образом.

«…И это свет начинает плутать в ногах коня, который так… переминается, чтоб не давить павшего. Трогательно очень. Там слуга с мощными лапами с варикозными венами… И вот там ты вдруг начинаешь ощущать вневременной покой и… И вот это очень мудрая вещь, на мой взгляд, совершенно от Караваджо не ожидаемая. Твоя».

И я оказался в положении моих читателей, которым я проповедую теорию художественности по Выготскому, самое сердце которой состоит в том, что совершенно не логически, а ПОЧЕМУ-ТО из двух противочувствий (тут – из-за света-протестантизма и тьмы-католичества) рождается третье переживание. Я называю читателям словами это третье. А читатели не хотят соглашаться. Логически-то третье не выведено. А так. ПОЧЕМУ-ТО. – И вот я оказался в их положении. Не поверил Илье Доронченкову. И не знаю, чем бы кончилось, если б я не увеличил репродукцию, и не увидел не катарсически выраженный художественный смысл (Выготский катарсисом назвал треть переживание) – тут остановка времени (соприкосновение с метафизикой, явленной Богом)… а увидел это остановившееся время изображённым образно – не падающими каплями воды!

Здорово! Я всегда знал, что выраженное катарсически труднее постичь, чем выраженное образно. Но чтоб ТАК до меня, всесторонне подготовленного, не доходило катарсическое…

(Жаль, что это с каплями со мной произошло за два дня до волшебной новогодней ночи…)

«Алексей Расторгуев: У меня тоже первая встреча с Караваджо такая ударившая. Я видел до этого эрмитажные вещи, естественно. Но, чтобы, вот, понять Караваджо как Караваджо – это было "Призвание апостола Матфея" в Сан-Луиджи-деи-Франчези в Риме.

Караваджо. Призвание апостола Матфея. 1599.

Причём это было внезапное… во времена, когда ещё были лиры. Я вошёл туда зимой. Полная тьма. Ничего не видно, кроме, вот, аппарат, на котором написано, что 500 лир надо кидать туда. Ну, я нашёл в кармане эти 500 лир, сунул туда. Значит – пх! Свет вот это, да? Знаете, я просто оторопел. Потому что там же как? Он[Иисус] входит по этой лесенке. Рядом с ним Пётр. Сидит Матфей, считает с разного рода такой вульгарной публикой деньги эти… Было полное впечатление… Там окно сзади нарисовано… У меня было ощущение, что это окно оно ЗДЕСЬ. А они все перед. Этот караваджистский эффект [реальности, мол] сработал. И все, вот, стоят ближе, чем нарисовано окно, уже в моём пространстве. Вот. И это, конечно, было ощущение полного этого вот… победы этой его трепетной иллюзорности».

И она иррадиирует на сюжет. Это ж чудо: Иисус указал на менялу – совершенно приземлённого человека – и тот, как заворожённый, встанет сейчас и пойдёт с Иисусом во имя высшего чего-то. То есть зритель оказывается вне Этого дрянного мира с его бесконечной, вот, кровавой войной во имя каких-то непонятных заумных принципов, протестантских и католических.

«Когда это видишь, собственно говоря, своими глазами, в отличие от отстранённого ещё высокоренессанского монистического принципа, когда создаётся несколько как бы отодвинутая красота [нормативная] и никакой дистанции нет. Без дистанции полностью. Это меня поразило».

Высокое Возрождение возносит, а барокко опускает. Мечтатель и трезвый. И оба - исторические оптимисты.

 

Караваджо. Погребение Святой Лючии. 1608.

в Сицилии, в Сиракузах, потому что эта вещь была написана Караваджо, когда он бежал в Сицилию, и она пронизана таким, вот, настроениями очень сложными, с одной стороны. И с другой стороны, это полное отсутствие такой вот глорификации[восхваления], которая обычно присутствует в сценах погребения, там, прославление, превознесение святых. Такие вот обыденные похороны. Это, в общем-то, прокладывает путь к новому искусству. И выглядит совершенно необычно».

Плевать, мол, на религиозную сторону дела. Надоела религиозная война.

«Дмитрий Гутов: Первое сразу, что мне приходит в голову, это «Мадонна чёток»

Караваджо. Мадонна с чётками. Ок. 1607.

Это большая работа, там куча персонажей. И Богоматерь там даёт чётки паломникам, вот. Гигантская картина. Куча… Первое, что ты видишь – это неприятные пятки. Просто грязные пятки. И, когда смотришь на картину, ты больше вообще ничего не видишь. Вот это поразительный эффект. Как можно сделать такое сложное полотно, а взгляд прикован к тому, что хотел художник. На первом плане ноги, которые бродят по этому Риму. И впитали в себя всю пыль города. Это сильно».

 

[ВАЛЕНОК]

Опять крик против религиозности с войной из-за неё.

«Сергей Соловьёв: Вот от грязных пяток на картине к самой личности художника, наверно, нельзя пройти и не сказать об этом образе, который транслируется и сейчас, и везде обязательно присутствует. Караваджо, как бунтарь, может быть, бандит, уголовник, совершенно верно. Сколько здесь, с вашей точки зрения, мифа, сколько здесь реальности, если можно здесь по источникам говорить о нашем знании реальной биографии?».

По-моему, это вредное переключение внимания на биографизм. Это способ оболванивать людей: приобщать, мол, их к высотам культуры, а на самом деле – уводить от них.

Вот если б разговор пошёл в психологической плоскости: как напряжение непрерывной войны рождает в сознании человека – жестокость к окружающим, а в подсознательном идеале – отказ от неё и ненависть к идеям, вражду производящим… Тогда б я аплодировал.

«Кирилл Гаврилин: Вы знаете, кардинал Борромео [1564 — 1631], который писал о нём, он писал как раз о его первом римском периоде, что вместо того, чтобы работать с какими-то образцами, он шляется по этим пивным, он берёт мальчишек с улицы, причём мальчишек – в таком контексте он немножко уже чуть-чуть с намёком на не совсем обычную эротику, да? скажем – вот это всё берёт. И это, в общем, поражает воображение. У него это, Борромео – человек очень ответственный, серьёзный, важный. И это видно, что это не только, конечно, не миф. Когда его преследовали, когда, в конце концов, после второго убийства он должен был покинуть Рим. Всё это вот дело. Это разбойник, но, с другой стороны, мы видим, что при этом он глубокий католик, потому что эти вещи пронизаны потрясающей совершенно вот этой религиозной откровенностью».

В смысле – чума на оба ваши дома, протестанты и католики, заумные (по сравнению с истиной верой)…

То есть спасавшие его от наказания люди, знали (по картинам) самое тайное в нём и противоположное злой поверхности…

М!

«Сергей Соловьёв: После изгнания это покаяние, эти вот картины?

Кирилл Гаврилин: Знаете, это скорей… Я не сказал бы покаяние, но есть ощущение смирения. Если сравнить между собою "Христос в Эммаусе" [как апостолы не только не поверили рассказу Магдалины, что Иисус воскрес и явился ей, но и не узнали Его, встреченного около Эммауса, и получили за то от Него выговор]

Караваджо. Христос в Эммаусе. 1601-1602.

из Лондонской национальной галереи, она такая цветная, там такой стол, где лежит курочка, хорошо запечённая, там фрукты превосходные и там такие эффектные диагональные жесты узнающих Его апостолов. И поздний вариант

Караваджо. Христос в Эммаусе. 1606.

из Брера, который весь сумрачный, все постарели, Христос какой-то потёртый, трактирщик сделался старше на 20 лет, хотя тот же самый, да? Гамма монохромная. То есть видно, что этот жизненный период, он был каким-то вот в переносном смысле слова и самоограничением и не, как "Экстаез Святого Франциска",

Караваджо. Экстаз Святого Франциска. 1594.

["Один из друзей Франциска, брат Лев, рассказывал, что в 1224 году Франциск удалился на сорок дней в пустыню с небольшим числом последователей, чтобы созерцать Бога. Ночью 17 сентября на склоне горы Верна, что находится в верховьях Тибра, брат Лев увидел, как шестикрылый серафим спустился к Франциску в ответ на молитву святого о том, чтобы он смог познать страдания Христа и его любовь. Примерный перевод описанных Львом событий выглядит следующим образом:

Внезапно появился ослепляющий свет. Казалось, облака разверзлись и выплеснули всё их сияние миллионами водопадов звёзд и цветов. И в центре этого сияющего водоворота мерцало ядро ослепительного света, которое мчалось с высоты небес с ужасающей скоростью, до тех пор, пока оно неожиданно не остановилось — неподвижное и священное — над скалой, прямо перед Франциском.

Это была фигура с крыльями, прижатыми к огненному кресту. Два пылающих крыла стремились вверх, два других были открыты горизонтально, а два остальных покрывали фигуру. Из шрамов его на руках и ногах, и из сердца струились лучи крови. Сияющие черты Существа предстали в облике сверхъестественной красоты и скорби. Это было лицо Иисуса. И Иисус говорил.

Затем потоки огня и крови внезапно выплеснулись из Его ран и пронзили руки и ноги Франциска гвоздями, а сердце его — ударом копья. Когда из груди Франциска вырвался крик, полный счастья и боли, огненное существо вошло в его тело, как в зеркальное изображение самого себя — со всей своей страстью, любовью, скорбью и красотой — и скрылось внутри Франциска. Очередной крик пронзил небеса. И, с гвоздями и ранами в теле, с воспламенёнными духом и душой Франциск потерял сознание" Википедия]

и ощущение такое глубокого минора».

То есть Гаврилин в 1594-м упадка эмоциональности не видит, хоть мистические страсти относительно рассказа брата Льва художником колоссально снижены. – Ну да. Караваджо ведь тут против мистики, озлобленный на надоевшую религиозную войну из-за чего-то неосязаемого.

А через 12 лет, по Гаврилину, художник и бунтовать против церковников устал.

Ну да. Второй десяток лет иносказательного бунта против религий результата не дал: религиозная война продолжается.

Караваджо можно понимать, как ребёнка из неблагополучной семьи. Сознанием он хулиган (реалист, хотя бы со светом, если с темами нельзя). А подсознанием – хотящий мира в семье.

Как, может, некоторые россияне, не принявшие специальную военную операцию России на Украине.

«Но это скорее выбор, мне кажется, его собственный в этой ситуации. У него есть и противоположные вещи в поздний период. Но, конечно, уже больше цветных мальчиков не будет этих ранних. Но всё равно. Так что, если это разбойник, то это очень сложный разбойник».

Но россияне, думается, наоборот – очень недалёкие, видящие только поверхность. Не видящие нацизма на Украине, а в России – ничего, кроме дворцов и яхт элиты.

«Сергей Соловьёв: Попробуем рассказать для зрителя, откуда он взялся, что за художник и как это получилось, что его слава бретёра, уголовника, да? может, даже затмила часть его славы художника при его жизни.

Илья Доронченков: На самом деле изучение Караваджо это дело последних ста лет. И за это время – где-то с начала 20 века – процесс разворачивается. В моду он входит сильно поздней. И говорить о биографии и хронологии – дело сложное, потому что датировки сильно меняются. В зависимости от источников. Конец 16 – начало 17 века…».

Мне совсем не светит тратить время на биографию. Я буду много пропускать.

«Дмитрий Гутов: Нельзя делать такую живопись, если ты обладаешь просто другим характером».

То есть подсознательный идеал спокойствия Караваджо, выражаемый противоположностями (сильным светом и густой тенью), Гутовым не чувствуется. Крика против религиозности-вообще в грязных пятках при… Мадонне он не ощущает. Третьего, неизображённого переживания, как для Доронченкова, не заметившего остановки капель, для Гутова нет.

А все молчат. И Доронченков – тоже.

«Кирилл Гаврилин:…с другой стороны, это ораторианцы, филиппинцы, последователи Филиппо Нери. Многие заказы Караваджо связаны с церквами ораторианцев. Филиппо Нери был таким эксцентричным проповедником».

Как раз наоборот, не эксцентричным, а умиротворяющим. Связывающим церковность и секулярностью. Собирал вместе священослужителей и мирян. Они жили «в автономно организованных общинах ораториях (лат. oratorium – молельный дом, молельня), занимаясь совместной молитвой, религ. просвещением и благотворительностью» (https://bigenc.ru/religious_studies/text/2682903). – Как раз то третье, в чём был подсознательный идеал Караваджо.

«Многие заказы Караваджо связаны с ораторианцами».

Но Гаврилин это не акцентирует, а противопоставляет их другому претенденту на Караваджо, на инквизицию (что странно, ибо она одна из сторон религиозной войны; как странно и то, что католики потерпели среди себя этих третьих, умиротворяющих ораторианцев). Гаврилин тоже не владеет обнаружением художественности по Выготскому как обнаружением третьего, «нецитируемого» переживания.

«Сергей Соловьёв: Тогда сразу возникает вопрос [на заблуждение Гаврилина, что не миротворцев удовлетворяет Караваджо, а дерущихся], если тогда соответствовало настроениям, чаяниям разных слоёв общества, то почему Караваджо, и когда Караваджо забыли?».

Он не усёк из-за своих собеседников, что ораторианцы были белыми воронами и меньшинством. Меньшинство не способно обеспечить память в веках.

Что режется с моим предположением, что достаточно катарсическим (не образным) способом предоставить людям тончайшее переживание, как гарантировано бессмертие имени в веках.

И высокое собрание знатоков приходит к выводу, что невольно и без заострения своего и чьего-то внимания заимствуются технические открытия Караваджо. Как анонимные. Не видеть, мол, картины Караваджо, бывшего известным и потому картины его – помещёнными в церквах, последующие художники не могли, так как проходили мимо них, висящих, но обходимых молчанием: «Забыть Герострата!». Но в памяти они оставались-де.

«Алексей Расторгуев: Посмотрите, Караваджо, как известно, первооткрыватель, в некотором смысле слова, точного источника света и близкого плана».

Точный источник света обеспечивал противоречие света и темноты, а близкий план в купе с низменностью предмета изображения, с одной стороны, и высотой темы, с другой – обеспечивали второй ряд противоречий. Для третьесказания, так сказать, для катарсиса, нужна ж обязательно чётность. Не пользующиеся теорией художественности по Выготскому специалисты поэтому выражаются не вполне логически ясно.

Если Давид для «Смерти Марата» (1793)

Давид. Смерть Марата. 1793.

взял внешне мерзкого мёртвого Марата почти крупным планом и противопоставил популярности того при жизни, то караваджевского отторжения высокого (в Марате) не получилось, как получалось у Караваджо с отторжением заумностей и католиков, и протестантов. Слишком слаба была и мерзость, и мёртвость по сравнению с популярностью вчера ещё живого Марата.

Картина Давида не менее сумрачна, чем нехарактерная для Караваджо «Христос в Эммаусе» 1606-го года.

Так для классицизма эта сумрачность была как раз характерна:

«очень монохромную» (Временная метка 21:40).

Ибо буйство красок не должно отвлекать от содержания. Осознаваемого! Это ужас! Неоклассицизм оказывается прикладным искусством. Оно должно иллюстрировать знаемое. Норму морали, там, или иную высокую нормативность. Политическую, скажем.

То есть нет тут у Давида заимствования у Караваджо.

А что говорят спецы?

«Когда перед Давидом встаёт совершенно новая задача… Вот вламывается в искусство политика. 13 июля 1793 года Шарлотта Корде убивает Марата. И Давид должен сделать мемориал. На что похожа эта вещь? – Это чистый Караваджо. Вплоть до цитаты. Лежащая в этой самой ванной смешная образина, обезьяна. Некрасивый, да? Он гниющий просто физически. У него свешивается – на себе не показываю – эта знаменитая рука смерти, которую Караваджо берёт из римских саркофагов, когда Светоний описывает смерть Юлия Цезаря, вот, ["Все разбежались; бездыханный, он остался лежать, пока трое рабов, взвалив его на носилки, со свисающей рукою, не отнесли его домой"]. Специально подчёркнуто: у него болталась рука, когда его несли. В "Положении во гроб" Караваджо в Кьеза Нуово великая рука, каменная, Спасителя, которая свисает и пальчиком касается края,

Караваджо. Положение во гроб. 1604.

и рука Марата, которая свешивается из ванной, сжимая, в руке… сжимая в пальцах пёрышко, каменная рука, бесплотное перо, падающая точно в вертикаль, в центральную вертикаль картины. Во-первых, это очень хорошо. А во-вторых, это ещё и цитата».

Да, цитата. Но взятая для отталкивания от Караваджо, а не как использование его.

Мёртвого инстинктивно боятся. К мёртвому – какое-то отторжение. Что и сумел выразить Караваджо, изобразив в Христе здоровенную тяжесть (кожа Христа аж подалась под пальцами того, кто слева, тяжесть туловища превратила его и бёдра как бы в букву V). Мёртвого нести тяжелее. Как мешок с песком тяжелее нести, чем бревно такого же веса. Расслаблены мышцы. (Доронченков не прав, применяя слово «каменная рука». Было б тело окоченевшим, не согнулся б у Христа один палец, первым наткнувшийся на плиту, на которую Христа кладут. Между смертью Христа и положением его в гроб прошло только 3 часа. А окоченение всего трупа происходит через 4-6 часов. Т.е. Караваджо с его реализмом не пришлось даже приврать.)

Я не носил труп, но я поцеловал лоб матери, привезённую из морга домой. Меня аж отшатнуло: лоб был очень холодный.

Вот отшатывает от вялого тела Христа.

А Давид, наоборот, всё сделал, чтоб не так уж и отшатывало. Доронченков и тут слукавил: «образина, обезьяна. Некрасивый… гниющий». Только с некрасивым и можно согласиться, глядя не предвзято. Просто портретное сходство. И рука не такая уж и мёртвая, раз держит перо! И в самом деле: зачем Давиду возбуждать отрицательные эмоции к физическому облику любимца народа? Зачем отвлекать современников от горя?

С классицизма и неоклассицизма началось двухвековое засилье превалирования содержания над формой, которое так надоело, что произошёл взрыв на грани 19 и 20 веков. И это превалирование двояко работало на то, чтоб Караваджо был забыт: он выражался катарсически, классицизм и неоклассицизм – образно, он применял для этого сильные формальные средства-противоречия, они – сдержанные (до монохромности доходило).

.

На что только не идут спецы ради протаскивания своей предвзятости…

Самое же печальное, что они не знают закона художественности по Выготскому.

[ВАЛЕНОК]

«Черная живопись» Гойи, или экскурсия по Дому Глухого

 

Помните страшилки из детства? В черном-черном доме, в черной-черной комнате… Гойя писал на стенах свои черные гравюры. Именно там Сатурн пожирал своего сына, ведьмы собирались на шабаш, а художник разбрасывал свою черную тревогу широкими мазками.

Почему «Дом глухого»? Гойя купил дом в пригороде Мадрида в 1819 году, но глухим дом стал еще до покупки – прежний владелец страдал недугом (угадайте каким).

«Дом глухого», фото 1907 года

1820 год. Испанский король Фердинанд VII не дает продохнуть своими нападками, в стране разруха и активные гонения недавних революционеров. Сам Гойя восстанавливается после тяжелой болезни, а заодно чувствует себя стариком. Настроение на нуле, а тут еще и стены в доме красочно расписаны (возможно и самим Франциско, это были милые пейзажи). Короче, пора оформить жилье в нужной атмосфере и выплеснуть эмоции, а то и кукухой поехать можно.

И понеслась. Гойя отрывался на все деньги, не беспокоясь о последствиях и наследии – скорее всего, он и не собирался демонстрировать свои работы зрителям. Даже названий своим фрескам не дал. Это в 1828 году Антонио Бругада, друг художника, раздал имена уже картинам.

Да-да, фрески превратились в картины. В 1874 году Жан Лоран сфотографировал оригиналы, а Сальвадор Мартинес Кубельс перенес их со стен на холсты. Так эта парочка спасла фрески от забвения, так как усадьба долго не простояла и была разрушена.

Передвижная фотостудия Жана Лорана

Штош, предысторию узнали, погнали смотреть сами работы. И для большего погружения пройдемся по дому во времена художника. И раз уж мы вспомнили страшилки из лагерей – давайте сходим на прогулку ночью. Для антуража)

 

 

Схематичный план дома и расположение фресок

Ну же, открывайте дверь. Да, скрипит, это же дом глухого, чего вы хотели. Заходите в дом, запаливайте свечи, прогулка будет долгой.

Первый этаж. От входной двери поворачиваем налево – и встречаем фреску «Донья Леокадия Соррилья». На ней изображена Леокадия Вейс, горничная и любовница художника, которая была нааамного моложе своего возлюбленного. Облокачивается на надгробье, сама в траурной вуали – сразу задает настроение нашей экскурсии. Однако исследователи сводили картину на рентген и выяснили, что изначально она опиралась на каминную доску с открытым лицом. Может Гойя изменил детали, а может уже после его смерти подправили картину.

«Донья Леокадия Соррилья»

«Донья Леокадия Соррилья», фото Лорана

Двигаемся дальше. Длинный коридор украшает «Шабаш ведьм и великий козел». Хаотичная композиция, сатана в виде козла проводит обряд. Некоторые искусствоведы говорят, что так Гойя критикует инквизицию. Вполне возможно, ведь пайтоны не могли ошибаться – никто не ждет испанскую инквизицию.

 

«Шабаш ведьм и великий козел»

 

«Шабаш ведьм и великий козел», фото Лорана

«Шабаш», 1797−1798

Еще маленький факт – картина была больше, кусок затерялся при переносе на холст. Но тут нам поможет фотография 1874 года, там все в первозданном виде.

Жуть, а не стена. Сюжет для художника не новый (третья картина, совсем детская), но в этот раз Гойя себя не сдерживает и откровенно пугает.

Дышите тише, свеча же погаснет.

Проходим в столовую и видим самую известную работу из «Черных картин» – «Сатурн, пожирающий своего сына». Приятного аппетита)

«Сатурн, пожирающий своего сына»

«Сатурн, пожирающий своего сына», фото Лорана

Подробно расскажу про Сатурна в отдельной статье, если кратко – мрачно, страшно и немного жалко обоих героев. О чем думал Франциско во время завтрака в такой компании для меня загадка.

А мы продолжаем веселую прогулку и натыкаемся на следующую фреску, «Юдифь и Олоферн». Ну а как же еще. Сюжет очень подходит для всей серии: библейская легенда, размышления о значении женщины и обезглавливание. Обратите внимание на лицо Юдифь – ну что за милаха!

«Юдифь и Олоферн»

«Юдифь и Олоферн», фото Лорана

Снова попадаем в коридор и двигаемся к лестнице. Весь путь нас сопровождает еще одно длинное панно – «Фестиваль в Сан-Исидоро». Снова критика общества – святой праздник используется жителями как повод накидаться винищем. Интересная спекуляция: некоторые исследователи видят среди пьяной толпы Наполеона I с трезвым взглядом, мол он то знал, как навести порядок в Испании.

«Фестиваль в Сан-Исидоро»

«Фестиваль в Сан-Исидоро», фото Лорана

Найдете Наполеона?

Не спеша добрались до лестницы на втором этаже, тут нас ждет еще две работы.

«Два старика» показывают старче, подозрительно похожего на поздние автопортреты Гойя, и старого демона, который орет в ухо глухому художнику (тут еще докричись). Скорее всего перед нами внутренняя борьба творческой личности художника и его мрачного безумия. Очевидно. Кто побеждает? Искусство и мы, благодарные зрители.

«Два старика»

«Два старика», фото Лорана

А над дверью «Два старика, поедающие суп». Беззубый старикан со страшными глазами и не менее жуткий труп/смерть указывают пальцами в одном направлении. Хэй, смотри рядом какая борьба, закачаешься.

«Два старика, поедающие суп»

«Два старика, поедающие суп», фото Лорана

[ВАЛЕНОК]

Искусство иллюзий Октавио Окампо

Октавио Окампо (Octavio Ocampo) – один из самых плодовитых художников Мексики, работал арт-директором, был актером

Его работы полны символизма, они бесконечно завораживают, каждый раз раскрывая новые грани индивидуально для каждого зрителя. И чем дольше смотришь на его работы, тем больше видишь.

Способности Октавио проявились еще в раннем возрасте. Его родители были людьми творческими, отец в свободное время был дизайнером и художником, мать – актрисой. Октавио начал изучать искусство с самого детства. Сначала в художественной школе Сан-Карлос в Мексике, затем в Школе живописи и скульптуры Национального института изобразительных искусств.

Уже в Сан-Карлос Октавио начал заниматься папье-маше, делал украшения для карнавалов и фигуры для алтарей. В старших классах – рисовал фрески для подготовительной школы и мэрии.

Свою карьеру Окампо начал как арт-директор. Был художником театра и кино. Создал декорации к более чем ста двадцати фильмам, пяти мексиканским мыльным операм и десяти театральным постановкам. Возможно, именно опыт Окампо в киноиндустрии помог разжечь его интерес к оптическим трюкам.

Сначала ограничиваться живописью и скульптурой Октавио не хотел. Потому он поступил в Художественный институт Сан-Франциско, где изучал актерское мастерство и танцы. Будучи актером, он снялся в десяти фильмах.

Спустя два года после окончания института, Октавио было тридцать три года, он все же решил сосредоточиться на живописи.

Свой стиль художник называет «метаморфическим». В основном он использует технику наложения и сопоставления реалистичных и образных деталей в создаваемых им изображениях. Его картины-иллюзии наполнены бесконечными скрытыми смыслами и зашифрованными образами.

Философия Октавио, которую он воплощает в своих творениях, заключается в том, что человек, да и весь мир в целом, живет в параллельных вселенных. Большую роль в его работах так же играет и религиозная символика, в особенности католическая. Он написал несколько ликов Христа и Девы Марии, и в каждой картине будто рассказывал их историю.

Октавио получал множество заказов на написание портретов знаменитостей в своей уникальной манере. В их числе Джейн Фонд, Сезар Чавес и бывший президент США Джимми Картер. Он так же создал обложку для альбома певицы Шер «Heart of Stone».

Октавио Окампо принимал участие в выставках практически по всему миру: в Мексике, Канаде, США, в странах Латинской Америки, Западной Европе и в арабских странах. Его фрески украшают стены таких зданий, как Национальный дворец в Мехико и муниципальной администрации и Технологического института в Селайе (Мексика).

Сейчас ему 79 лет, он работает и живет в Тепостлане, к северу от Мехико. А в его родном городе (Селайе) создан музей в его честь.

[ВАЛЕНОК]

Внимание к деталям и естественный свет. Бытовые сценки художника Карауда

Жанровая живопись пользовалась огромной популярностью в XVIII-XIX в. Художники этого направления писали картины с бытовыми сюжетами из обыденной жизни.

Забытый художник

Многие живописцы этого направления хорошо известны — Ян Вермеер, Пьер Ренуар, Владимир Маковский. Работы других художников сегодня практически неизвестны. К числу последних незаслуженно забытых живописцев относится и Джозеф Карауд (Каро).

Чашка чая

Этот блестящий французский живописец XIX в. писал картины с драматическими и романтичным сюжетами из викторианской жизни. Кроме того, известные его исторические произведения, отображающие картины быта знати времен Людовиков XIV и XV, а также Марии-Антуанетты.

Усиленные цвета и детали

Практически на всех полотнах Карауда действие разворачивается в красиво обставленных комнатах, освещенных естественным солнечным светом. Цвета художник предпочитал теплые и умел усиливать их, мастерски используя глазурь. Также Карауд известен непревзойденным вниманием к деталям.

Рождение первенца

Родился художник во Франции в аббатстве Клюни в январе 1821 г. Его учителями были Шарль Луи Мюллер и Абель де Пужоль. При жизни талант живописца признавался обществом безоговорочно. Свои картины Карауд начал выставлять в Парижском салоне еще до того, как поступил в Академию изящных искусств.

Впервые широкая публика увидела его произведения в 1843 г, когда художнику было 22 года. Выставлялся в тот период Карауд очень часто. Талантливый живописец мечтал накопить денег на поездку в Италию. Это ему удалось и в последующем он много путешествовал по Европе. Также художник побывал на севере Африки, собирая материалы для своих полотен.

Оригинальное искусство

К концу 50-х годов Карауд начал уделять больше внимания картинам на исторические и бытовые темы. Работы живописца в то время резко контрастировали с картинами его коллег.

Модная свадьба

Во Франции в то время было модно изображать правду жизни в самых мрачных тонах. Французские художники использовали темную палитру и изображали трагичные сцены из повседневной жизни народа. Легкие картины Карауда же были полны жизни, света, роскоши и романтизма. Практически на всех картинах художника присутствовали симпатичные молодые девушки и женщины.

У современников работы Карауда пользовались огромной популярностью. За свои картины художник получил множество наград, включая орден Почетного легиона в 1867 г. Многие полотна Карауда копировались для продажи.

Сегодня подавляющее большинство работ живописца хранится в частных коллекциях. Но многие его картины выставлены и в музеях.

[ВАЛЕНОК]

Что происходит на этом известном шедевре?

Согласитесь, что когда слышишь о Рубенсе, то в первую очередь перед глазами всплывают полотна с пышнотелыми дамами на различные библейские и мифические сюжеты. Даже типаж подобных женщин называют "рубенсовскими красавицами".

А тут нечто совершенно иное и довольно устрашающее. Если вы увлекаетесь античной мифологией, то скорее всего, уже догадались, что на картине.

 

Сюжет, на самом деле, довольно известный – "Сатурн пожирает одного из своих детей".

Для тех, кто как и я, читал последний раз мифы Древней Греции и Древнего Рима несколько десятков лет назад, напомню: Сатурн – это древнеримский бог плодородия, отождествляемый с древнегреческим Кроном.

Краткая история такова: Небо и Земля (Уран и Гея) при сожительстве производили на свет детей. Однако Урану было предсказано, что его свергнет один из его сыновей. Поэтому, он запихивал рождающихся детей обратно в Гею (спасибо Рубенсу, что не нарисовал нам и это!) Гею начало распирать от скопившися в ней младенцев, поэтому она тайно родила Крона и уговорила его оскопить отца. Что тот и сделал.

После этого царём всего стал Крон. Но поверженный батя, Уран, проклял его в свою очередь и тоже предсказал, что Крон станет жертвой собственных детей. Когда супруга нового верховного владыки, Рея, стала рожать сыновей, он решил не идти по пути отца, а попробовать свой метод: начал пожирать родившихся детей. Ну, а что случилось потом, мы знаем.

Рее стало жалко своих детей, и в один из разов, она подсунула вместо спелёнутого младенца спелёнутый камень. Зубы и челюсти у Крона-Сатурна видимо были крепкими, и разницы он не заметил. А когда камень вышел, наверное, подумал, что из почек

Ни Рубенс ни Гойя, чья картина представлена выше, явно не читали мифы внимательно, иначе бы поняли, что при их толковании сюжета данный миф был бы невозможен: голого младенца ещё труднее перепутать с камнем. Нужно иметь не только крепкие челюсти, но ещё и крайне слабое зрение 

Что до самой картины Рубенса: в самом верху картины мы видим три звезды. Именно так описал эту планету Галилей. Дело в том, что его телескопу не хватало мощности, чтобы увидеть кольца Сатурна, и ему казалось, что это большая звезда, с двумя спутниками на одной линии.

Рубенс как раз вернулся из Италии и был не только вдохновлён работами Микеланджело, но и подкован научно последними открытиями Галилея.

Мне же всегда было интересно: кому и для чего художник писал эту картину?

Заказчиком оказался испанский король Филипп IV, который украсил картиной свой охотничий домик.

[ВАЛЕНОК]

Это что за ВАКХАНАЛИЯ?

Вакханалия, Питер Пауль Рубенс (1615) ГМИИ

С вами рубрика "Что это они тут делают?" - сюжеты наиболее известных картин (шедевров) из коллекции музея Изобразительных искусств им. Пушкина. Сегодня рассматриваем полотно Питера Пауля Рубенса «Вакханалия», (1615) ГМИИ.

Вакханалия – что это такое?

На картине Рубенса все персонажи пребывают в изрядной доле подпития, включая львицу

Две сатирессы, белая и темнокожая, поддерживают под руки обрюзгшего старикашку Силена с кувшином вина в руке. Он едва держится на ногах, как говорится, лыка не вяжет. Стоит им его отпустить, старик тут же упадет и заснет мертвецким сном.

На ветках дерева повисли сатиры, которые с интересом наблюдают эту сцену и обмениваются ехидными взглядами.

На переднем плане две сатирессы уже напраздновались до упаду. Обратите внимания, одна из них – кормящая мать!

Это финал разгульного праздника в честь бога вина Диониса, или Вакха. Отсюда и название «вакханалия».

Вакх, Питер Пауль Рубенс (1638-40), Государственный Эрмитаж

Как вы думаете, художник обличает порок? Может быть, во Фландрии 17 века проходила антиалкогольная кампания, а Рубенсу заказали назидательные картины?

Вы удивитесь) Рубенс нарисовал «Вакханалию» для украшения собственного дома. Во Фландрии 17 века подобные изображения были в моде. О времена! О нравы!

Но прежде, чем строго судить, погрузимся в ту эпоху.

Война, чума, инквизиция…

В одном из своих писем Рубенс написал: «наш город (Антверпен) изнывает, подобно телу, постепенно умирающему от истощения»

Фландрия была втянута в Тридцатилетнюю войну. Страну разоряли постоянно растущие налоги. Деньги были нужны на оплату наемников и военное строительство. Страшным бедствием стала чума. Из-за скученности населения в городах «черная смерть» выкосила тысячи людей.

Горожане спасались от чумы и войны в сельской местности, богачи запирались в своих усадьбах и пытались забыться в пирах и развлечениях под лозунгом «помни о смерти» и «никто не знает своего часа».

Происходящие события пошатнули веру в бога.

Католическая церковь бросилась украшать храмы, чтобы вернуть в них прихожан. Возник и стал распространяться стиль барокко – очень пышный, изобилующий нарядными деталями.

А вот дома жители украшали по своему вкусу. А если вокруг все плохо, и неизвестно, сколько осталось жить, надо предаться буйному веселью здесь и сейчас подобно жителям Древнего Рима.

Три грации, Питер Пауль Рубенс (1630-35) музей Прадо

Фламандцы бросились скупать изображения пышнотелых красавиц, натюрморты с обильной едой и разухабистые античные сюжеты.

Что может быть веселее священного ритуала служения богу виноделия Вакху – вакханалии?

Поначалу в Древнем Риме это был женский праздник. Дамы собирались в оливковой роще на окраине Рима по ночам и напивались до чертиков.

Когда к праздникам подключились мужчины, вакханалии стали проводиться гораздо чаще и сопровождались разнузданным буйством.

Пьяный Геркулес с нимфами и сатирами, Питер Пауль Рубенс (1611) Галерея Дрездена

Когда выяснилось, что на этих сборищах помимо запредельных безобразий плелись политические заговоры и интриги, римский Сенат решил положить конец веселью. Однако вакханалии оказались настолько живучи, что Сенату пришлось отступить, лишь немного уменьшив количество участников вакханалий.

До конца жизни Рубенс не расставался с картиной, написанной собственноручно* для себя. Наверное, она помогала ему наслаждаться жизнью несмотря ни на что.

*Известно, что на Рубенса работала целая армия учеников и подмастерьев. Великий маэстро только создавал эскизы и строго следил, чтобы ученики в точности переносили их на огромные полотна. Маэстро прибегал еще к одной хитрости: он сам писал нижнюю часть картины, зная, что именно эта часть будет находиться на уровне глаз заказчика. Все остальное писали ученики под контролем Рубенса.

[ВАЛЕНОК]

Тайна смерти КАРАВАДЖО. Часть 1

 

Продавец фруктов, Бартоломео Манфреди (?) 1610-е ГМИИ

С вами рубрика "Что это они тут делают?" - сюжеты наиболее известных картин (шедевров) из коллекции музея Изобразительных искусств им. Пушкина. Мой взгляд привлекла картина знаменитого итальянского художника Бартоломео Манфреди (атрибуция все еще под вопросом) «Продавец фруктов», (1610-е) ГМИИ.

Мы видим натюрморт с фигурой молодого мужчины. На столе корзина с яблоками и весы. Среди спелых румяных плодов есть незрелые или увядшие. Продавец указывает на яблоки рукой и глядит на зрителя. Но посмотрите, какое неспокойное, даже тревожное выражение лица в резких светотенях. Картину написал один из крупнейших караваджистов. И это повод поговорить о Караваджо в двух частях

В России есть всего одна его картина в коллекции Государственного Эрмитажа. Зато какая! Это натюрморт с портретом, именно в такой последовательности.

 

 

 

Лютнист, Микеланджело Меризи да Караваджо (1596) Государственный Эрмитаж

До Караваджо в Риме натюрморты не писал никто.

 

 

 

Ваза с фруктами, Микеланджело Меризи да Караваджо (1596) Милан

До него много чего не делали. По своему влиянию на художников следующих поколений Караваджо НЕТ равных.

Микеланджело Меризи из Караваджо жил в бурные времена Италии конца 16 - начала 17 веков. И нрав его бурным, как море, омывающее берега его родины. Он нажил немало врагов и еще больше последователей. Всю свою недолгую жизнь он скитался, успевая, однако, создавать свои невероятно эмоциональные реалистичные картины.

Почти все, что мы сейчас знаем о художнике, было найдено в полицейских протоколах, которые хранятся в архивах Рима, Неаполя, Мальты, Сицилии. Говорят ли правду жертвы, свидетели или сам обвиняемый? Скорее всего, нет.

За художника скажут его картины.

Родителей Караваджо унесла бубонная чума, которая волнами ходила по Европе.

Поделив с братом наследство, двадцатилетний Микеланджело перебирается в Рим. Но там и без него хватает художников. И они защищают свою территорию не на жизнь, а насмерть. Дело не всегда ограничивалось кулаками: могли подпилить леса, чтобы конкурент упал и разбился, могли добавить в краски кислоту, чтобы через несколько дней на картине все синее и голубое вдруг позеленело.

Мечта каждого была найти влиятельного заказчика из числа приближенных к папе кардиналов. Только так можно сделать имя и заработать.

Микеланджело пишет картины, которые не покупают. Родительские деньги быстро закончились, замаячила нищета, голод, болезни. Но уехать, значит проиграть, потерять честь. И он остается в Риме в нужде, на грани смерти.

 

 

 

Больной молодой Вакх, Микеланджело Меризи да Караваджо (1593), Галерея Боргезе, Рим

«Больной молодой Вакх» - первый автопортрет художника. Бледное лицо, серо-синие от лихорадки губы, потухший взгляд.

Но полуобнаженное молодое тело и символические плоды персика как бы несут оттенок порока. На пиры такого Вакха никогда не приглашали женщин, зато там танцевали молодые мальчики, одетые в женское платье.

На такие картины есть спрос. Нужда отступает.

Через несколько лет Караваджо станет знаменитым в Риме, а потом убьет человека и будет скитальцем, пока ранняя смерть не настигнет его.

А пока молодой художник с головой окунается в разгул далекого от благочестия римского общества и сам становится участником оргий. Были ли у него связи с мужчинами? Тому есть свидетельства, хотя содомия каралась смертной казнью. Стало ли это причиной смерти? Возможно.

 

 

 

Музыканты, Микеланджело Меризи да Караваджо (1595) Милан

А также он заводит многочисленные связи с уличными женщинами. Но никакие отношения не тянулись долго. Караваджо жил одиночкой.

Впрочем, нет. Одну из них, куртизанку Филлиде Меландрони, Караваджо любил и не раз изображал на своих картинах. Например, в библейском сюжете "Юдифь и Олоферн". Иудейка Юдифь убивает жестокого ассирийского военачальника Олоферна за то, что тот напал на её народ и пытался заставить евреев поклоняться Навуходоносору. Ради убийства Юдифь переступила через целомудрие и соблазнила Олоферна. Он пригласил ее в свой шатер, где совершилось убийство.

Разумеется, в образе рыжеволосой Юдифи современники узнали известную римскую куртизанку. Под кистью художника порок стал добродетелью. Церковь не могла одобрить этого.

 

 

 

Юдифь, убивающая Олоферна, Микеланджело Меризи да Караваджо (1598-99), Рим

Впрочем, как и еще многие другие картины художника.

Спустя несколько лет появилось еще одно изображение Филлиде на этот раз в образе Мадонны. Картина Мадонна Палафреньери, более известная под названием "Мадонна со змеей", провисела в соборе Св Петра в Риме только два дня. Священников возмутило все! Христос слишком большой мальчик, чтобы быть голым, его ведь обычно изображали младенцем. На лицах отсутсвует религиозный экстаз. Но более всего вызывающим было декольте Богоматери, которое подчеркивало пышные соблазнительные формы.

 

 

 

Мадонна Палафреньери, Микеланджело Меризи да Караваджо (1606), Галерея Боргезе, Рим

Была ли замешена католическая церковь в преждевременной смерти Караваджо?

Церковь была главным заказчиком живописи в Риме. В католическом Риме царило барокко. Художники, скульпторы, архитекторы трудились над прославлением католицизма. Искусство – оружие веры против протестантов.

Наконец, и Караваджо становится одним из главных ее живописцев. Но своенравная кисть мастера часто шла вразрез с канонической трактовкой библейских образов.

[ВАЛЕНОК]

Тайна смерти КАРАВАДЖО. Часть 2

 

Голова Медузы, Микеланджело Меризи да Караваджо (1597) Галерея Уффици, Флоренция

В соборе Святого Петра нет ни одной работы Караваджо. Однако его дарование было так велико, что картины, отвергнутые церковью, тут же покупались коллекционерами. Так несколько работ Караваджо попадают к знатоку живописи кардиналу Франческо дель Монте, в том числе знаменитая "Голова Медузы".

И вот уже известнейшие поэты и сановники папской курии заказывают у Караваджо картины, портреты и оказывают ему протекцию в получении заказов.

Караваджо приобретал все большую известность, главным образом за насыщенный колорит с сильными тенями. Он использовал много черного, чтобы придать фигурам рельефность.

Это называется тенебризм.

Фигуры на картинах изображались в рост человека, отчего у зрителя складывалось ощущения полного присутствия. Стоит добавить, что святые выглядели, как сошедшие с римских улиц бродяги: в рваных изношенных одеждах, с узнаваемыми лицами, босыми немытыми ногами.

 

 

 

Мадонна Розария, Микеланджело Меризи да Караваджо (1607) Вена

Молодые римские художники с восторгом бросились ему подражать. В это время опытные и маститые проклинали эту новаторскую манеру, объявив его недоучкой. Дескать, он кроме как с натуры писать не может, что он «залез в погреб и не знает, как оттуда выбраться». Что у него нет декора, воображения, плох рисунок, нет глубины и прочее, прочее, прочее.

Караваджо появился в то время, когда с натуры писали очень мало, а фигуры изображали согласно манере, более удовлетворявшей чувство изящества, чем правды. Это маньеризм, подражание позднему творчеству Рафаэля. Течение, которое появилось между закатом Высокого Возрождения и восходом барокко.

Караваджо мог выразить свое презрение, например, изобразив лошадь на своей картине, повернутой задом к картине своего конкурента ;)

 

 

 

Обращение Савла на пути в Дамаск, Микеланджело Меризи да Караваджо (1601) Рим

Надо сказать, что он вообще не испытывал ни малейшего уважения к произведениям других живописцев. Тут надо отдать должное – свои собственные работы он также никогда не хвалил.

При этом человеком он был крайне вспыльчивым, не давал обидчикам ни малейшего шанса.

Наиболее известная биография художника написана одним из его недругов – Джованни Бальоне. В ней говорится, что Караваджо убил на дуэли достойного молодого человека, после чего был вынужден бежать из Рима. Рануччо Томассони, жертва дуэли, покритиковал его картину.

Есть другое мнение - Караваджо убил Томассони из ревности. Из-за Филлиде Меландрони, куртизанки и модели многих картин Караваджо.

 

 

 

Портрет куртизанки, Микеланджело Меризи да Караваджо (1597)

На этой картине Караваджо изображает себя, убегающим с места убийства. Его можно разглядеть в левой верхней части картины, за правым плечом обнаженного убийцы (на фоне двери)

 

 

 

Мученичество Св Матфея, Микеланджело Меризи да Караваджо (1599-1600) Рим

В Риме на него завели дело. Караваджо скрывается от вендетты семьи Томассони в Неаполе. По закону того времени, родственники жертвы могли убить обидчика и привезти в Рим его тело или голову.

По заказу кардинала Шипионе Боргезе Караваджо пишет картину Давид и Голиаф. Отрезанной голове Голиафа он придает черты своего лица.

 

 

 

Давид и Голиаф, Микеланджело Меризи да Караваджо (1610) Галерея Боргезе, Рим

В Неаполе Караваджо провел только 9 месяцев. Не чувствуя себя в безопасности, он снова бежит, теперь на Мальту. Караваджо не оставил после себя ни дневников, ни записок. Остается только догадываться, почему он выбрал именно этот остров. Возможно, рыцари ему пообещали защиту от мстительных Томассони.

Есть другое объяснение. Одним из ярых критиков Караваджо в Риме был кавалер Джузеппе Чезаре д’Арпино, прославленный художник-маньерист.

Д’Арпино заявил, что Караваджо пишет маслом, потому что не умеет работать в технике фрески (al fresco). Завязалась ссора. Однако драться на дуэли д’Арпино отказался, сославшись на то, что ему, кавалеру, возведенному в это звание папой, не подобает принимать вызов не кавалера. Такое оскорбление было острее шпаги.

Возможно, он направляется на Мальту с одной только целью приобрести у великого магистра звания рыцаря и кавалера и поквитаться с д’Арпино.

На Мальте работы Караваджо понравились великому магистру, особенно портрет. Он использовал все имеющееся у него влияние, чтобы возвести художника в ранг рыцаря ордена Св Иоанна, несмотря на криминальное прошлое. Через год и один месяц произошло посвящение в рыцари.

 

 

 

Портрет Алофа де Виньянкура, Микеланджело Меризи да Караваджо (1608) Лувр

А еще через несколько месяцев Караваджо оказался в тюрьме. В чем его обвиняли, так и осталось загадкой, в архивах этих записей нет. Но это преступление каралось смертью. В форте Св Ангела сохранилась камера, в которой он сидел, и откуда ему удалось бежать на ближайший к Мальте остров – на Сицилию.

На Сицилии он пребывал в состоянии загнанного волка: спал одетым и держал шпагу под подушкой. Теперь по его следам шли не только Томассони, но и мальтийские рыцари. Однако на Сицилии он тоже работал.

Не находя нигде покоя, Караваджо возвращается в Неаполь и подает прошение папе о помиловании. Но враг, кто бы он ни был, уже в Неаполе. В одном из закоулков на художника напали и изрезали лицо ножом.

Последние месяцы жизни и полное отчаяние. Караваджо решает вернуться в Рим. Он рассчитывал на покровительство Боргезе и прощение папы. Все свое скромное имущество и несколько картин он грузит на небольшое судно. В Порто Эрколе его по ошибке (?) арестовывают, а когда выпускают, судна уже нет.

Джованни Бальоне пишет, что разъяренный, он метался по берегу под палящим солнцем, тщетно надеясь увидеть свое судно. Вечером он слег с лихорадкой и через несколько дней скончался, «умерев также нелепо, как жил».

 

 

 

Рождество со святыми Франциском и Лаврентием (1609) место нахождения неизвестно

В Неаполе за несколько месяцев до смерти Микеланджело пишет последнюю картину. Судьба последней картины и художника одинаковы.

В «книге мертвых» Порто Эрколе местный священник не оставил записи о его смерти.

Могила художника так и не была найдена.

[ВАЛЕНОК]

Бросил жену ради русской любовницы, которая была его младше на 40 лет. Непростая личная жизнь художника Анри Матисса и его простые картины.

В то время как искусство, по мнению многих критических реалистов, импрессионистов, и авангардистов должно бичевать пороки общества, жечь калёным железом любую несправедливость, Анри Матисс (1869-1954 г) говорил: «Я хочу, чтобы усталый от жизни человек отдохнул, глядя на мои картины». И вот это у него удавалась замечательно, не скатываясь при этом в уже понадобившуюся стандартную салонную живопись. Ну нельзя же писать вечно херувимчиков и портреты аристократов, нужно же искать новые формы в искусстве, которые, однако, не вызывают отторжение у обычного зрителя. Мало кто рискнёт повесить у себя в гостиной картину авангардистов, того же Кандинского или Пикассо, в период его увлечения кубизмом, а вот Матисса наверняка с удовольствием. Хотя, понятное дело, речь тут идёт только об очень богатых людях. Впрочем, при жизни Матисса его картины стоили куда дешевле.

 

Анри Матисс. Автопортрет.

Анри с детства неплохо рисовал и хотел стать художником, но отец Эмиль Матисс, занимающийся торговлей зерном, велел поступить своему сыну в юридический институт. «Художество — это баловство, а заниматься нужно серьёзным и надёжным делом, вон сколько в Париже всевозможных художников развелось, и большинство из них едва сводят концы с концами» — увещевал он юного Анри.

Вмешался случай — как-то у уже взрослого 21-летнего Анри случился приступ аппендицита. Ему пришлось пару недель пролежать в кровати, а чтобы сын не скучал, мама дала ему краски и кисть. И Анри рисовал с огромным удовольствием, он сам признавался, что ничем более интересным в последние годы не занимался и попал словно в какой-то рай. Глядя на подобный интерес к живописи, смягчился и его отец, тем более, что появилась возможность учиться у знаменитого академиста Вильяма Бугро.

 

 

 

Вильям Бугро. Размышления.

Бугро Эмиль Матисс очень уважал, считал нечто сродни небожителю, потому и снарядил своего сына всеми необходимыми средствами. Но вот между Анри и Бугро сразу возникло недопонимание и даже антипатия, нормально учиться в такими отношением было невозможно, потому Анри отказался заниматься у маститого французского академиста и поступил в Школу декоративных искусств. Ему повезло встретить первого настоящего учителя — Гюстав Моро говорил Анри, что в будущем он «упростит живопись». Но чтобы что-то упростить, вначале нужно научиться техники, потому много времени Анри проводил в Лувре, перерисовывая работы старых мастеров.

1898 год ознаменовался для Матисса двумя событиями. Радостным — он взял в жёны очаровательную Амели Парейр и грустным — умер его любимый и уважаемый учитель Гюстав Моро. Учиться в Школе декоративных искусств без Моро Анри не захотел и потому в поисках свежих идей отправился в Англию, познакомиться с художником Уильямом Тёрнером, который писал в новаторской манере всевозможные стихии: водную, воздушную и огненную, главным для Тёрнера были цвет и свет, а композиция и общий смысл картины отходили на второй план.

 

 

 

Уильям Тёрнер. Фолкстон с моря.

У Тёрнера Матисс во многом подглядел манеру письма, но основательно её переработал, добавил собственное видение. Главным являлся цвет, причём он доминировал на картине — всё остальное, всевозможные мелкие детали и детальная прорисовка картины были уже несущественны. Его картина «Женщина в шляпе» написанная в 1905 году считается основополагающей для сформирования «искусства диких» или фовизма.

 

 

 

Женщина в шляпе

Известность Матисс получил, но вот с финансами было плохо. Но помог русский меценат Сергей Щукин — он заказал Матиссу написать два декоративных панно, а потом пригласил в Россию, где Матисс восхищался русскими иконами. В эти же годы он пишет ещё одну картину в стиле фовизма — «Танец», где опять-таки цвет и декоративность доминируют над всем прочим.

 

 

 

Танец.

Но постепенно Матисс, особенно после поездки в Марокко начинает писать в менее кричащей и более вдумчивой манере. Тогда на его картинах появляются различные одалиски. Потом несколько лет провёл в Ницце, где написал свои знаменитые открытые окна — картины в которых он удивительным образом сумел передать восхищение жизнью и квинтэссенцию счастья, так как его понимал сам Матисс.

 

 

 

Открытые окна

В поисках рая, как и замечательный импрессионист Поль Гоген Матисс отправляется на Таити. Но если для Гогена яркая полинезийская природа была источником вдохновения, то Матисс там работать не смог. Полинезия и работа несовместимы — был вывод Матисса, и он понял, что рай может написать лишь сам художник в своих картинах.

А ещё Матисс занял очень правильную позицию, относительно задачи искусства вообще. Если многие авангардисты стали предъявлять к потенциальному зрителю длинный список того, что он должен, то Матисс просто писал свои картины, которые, при всей их отличии от классической живописи и поиске творческого пути были понятны простым людям. Живопись должна дарить отдых уставшему человеку — вот девиз Матисса.

Брак Амели и Анри Матисса поначалу можно назвать счастливым. У них появилось двое сыновей, Амели даже стала настоящей мамой для внебрачной дочери Анри, которая родилась ещё до его женитьбы от одной из натурщиц. Но живопись для Анри всегда была на первом месте.  Всё остальное — семья, дети, для него вторично и Амели пришлось с этим смириться.

 

 

 

Лидия Делекторская

Однажды на должность секретаря и личной помощницы Анри пригласил Лидию Делекторскую — очаровательную русскую барышню. Амели поначалу не очень-то и испугалась. Анри Матисс всегда любил брюнеток, как и она сама. Но однажды он схватил кисть и стал быстро зарисовывать её на холсте.

 

 

 

Портрет Лидии Делекторской

Амели очень долго смотрела на получившийся портрет и сказала бесцветным голосом: «или я, или она». Матисс выбрал Амели, но жить без своей русской возлюбленной уже не смог. И началась метания между семьёй и Лидией. В итоге в 1940 году Матисс и Амели окончательно разошлись, а Лидия поддерживала французского художника ещё 20 лет, до конца его жизни. Ей было 22, Матиссу - 62 года.

Но художник, умевший рисовать счастье на картинах, в жизни перенёс немало страданий. Его дочь во время Второй мировой войны немцы угнали в концлагерь, в 1941 году у художник перенёс очень серьёзную операцию. «Доктор, дайте мне хотя бы пару лет жизни, я столько ещё должен сделать» — говорил он врачам. А однажды к больному художнику обратилась монахиня с просьбой оформить Капеллу Четок в Вансе. «Я верю в Бога когда работаю» — заявил художник и считал главным делом своей жизни именно работу над капеллой. Когда он даже не мог сидеть перед холстом, то приложил кисть к длинной палке и писал лёжа.

 

 

 

Девушка с лютней

Умер Матисс в 1954 году и говорят, в тот день его возлюбленная Лидия Делекторская подошла к постели художника и сказала: «в другой день я бы попросила вас нарисовать меня». «Неси холст, краски и кисти» — ответил Матисс.

[ВАЛЕНОК]

Искренний советский монументалист Александр Дейнека и его эпичные картины

Ну никак не похожа она на сломленную тяжёлой жизнью и непосильным трудом работницу. Впрочем, судить по картине об истинном облике его мамы всё же не совсем правильно — наверняка Дейнека её искренне любил, потому и приукрасил её образ, изобразил в наиболее выгодном ключе. Однако творчество Дейнеки куда интереснее многих обычных  художников, писавших незамысловатые сюжеты в духе соцреализма, у него был свой стиль, своя манера написания картин, возможно потому уже позже, в XXI веке его картины стали относить к остросовременному модерну.

 

 

 

Ода Весне

Ему удивительно удавалось сочетать плакатность, асексуальность моделей — этот приём уж точно вполне в духе нашего времени, монументальность образов, элементы типизации, когда индивидуальность отдельных людей на картине растворяется в общем типе советского человека — молодого, энергичного атлета, готового к труду и подвигам. И в этом был весь Дейнека, он и творил искренне, поскольку искреннее принял революцию 1917 года, верил в счастливое советское будущее, в счастье всех этих советских людей, готовых трудиться на громадных стройках 30-х годов, пахать в поле, спускаться в шахты и строить социализм. Весь энтузиазм послереволюционного времени воплощён в полотнах Дейнеки.

 

 

 

Раздолье

А ещё Дейнека был по складу характера лидером, писать никому не нужные картины, всевозможные импрессионистские пейзажи и натюрморты, невостребованные советской властью он не хотел, ему нужно было признание, успех, масштабность, принадлежность к какому-либо большому делу. Всё это, и воплощено в его картинах, именно поэтому он так писал, заряжая советских граждан 20–30 годов своим энтузиазмом и верой в единственно правильный, социалистический путь развития общества.

 

 

 

Александр Дейнека. Автопортрет.

И не нужно думать, что Дейнека был идеологом советской власти и полностью обслуживал её интересы. Достаточно посмотреть на некоторые элементы его биографии, чтобы понять — художник не так прост, как кажется. По официальной версии, его родители работали на железной дороге, были неграмотными и находились на самом низу социальной лестницы, то есть являлись истинными рабочими-пролетариями. Для советского времени всё безупречно и правильно. Но на картине «Портрет матери» мы видим умную, наверняка образованную женщину в чистой, праздничной крестьянской одежде.

 

 

 

Портрет матери.

Ну никак не похожа она на сломленную тяжёлой жизнью и непосильным трудом работницу. Впрочем, судить по картине об истинном облике его мамы всё же не совсем правильно — наверняка Дейнека её искренне любил, потому и прикрасил её образ, изобразил в наиболее выгодном ключе.

Дейнека окончил Харьковское художественное училище — вряд ли совершенно неграмотные и бедные родители смогли бы устроить туда своего сына, после революции работал в уголовном розыске Курска — фотографировал места преступлений и задержанных. Потом стал работать художником-оформителем — рисовал всевозможные агитационные плакаты и театральные декорации. Во время Гражданской войны два года воевал на стороне красных, а когда вернулся с фронта, прекрасно осознавая, что для больших дел и свершений художественного образования ему хватает, стал учиться во ВХУТЕМАСе.

Было в это время и знакомство с Маяковским, кстати, несмотря на то, что они творили в разных сферах, некоторое сходство в понимание творческих задач у них прослеживается достаточно чётко. Дейнека — это Маяковский в живописи, его картины освобождены от всего лишнего, ненужного, там правит бал чёткость рисунка, монументальность и лаконичность.

 

 

 

У моря

В 20-е годы Дейнека состоял во многих художественных обществах, которые плодились как грибы после дождя: «Группа трёх», ОСТ, «Октябрь», РАПХ, но нигде надолго не задержался. Возможно, его творческому эго было тесно в рамках одного художественного объединения, он был индивидуалистом, ищущим свой путь в живописи как Архип Куинджи. В те годы он много писал всевозможных плакатов, потому и особо настроенные против Дейнеки критики, которых особенно много появилось в 90-е годы, считали его «плакатным ремесленником». Но оценивать Дейнеку только по его плакатам, которые он рисовал, чтобы заработать деньги и лояльность властей и не обращать внимания на его великолепные картины — слишком придирчивый и субъективный подход.

Самые плодотворные годы для Дейнеки — 1930-е. Он молод, полон сил и желания проявить себя как художник, но при этом приобрёл немалый опыт в художественно-оформительской деятельности. Не хватало больших заказов, но вскоре ему доверили сделать декоративное панно в Театре Красной армии и расписать станцию метро «Маяковская». А ещё он был в США и Европе — редко кому в Советском Союзе удавалось поехать в капстраны, это было своеобразное признание заслуг и свидетельство в благонадёжности. Там он пишет замечательные картины, иллюстрирующие жизнь в Риме, виды этого города, изысканные портреты парижанок.

 

 

 

Парижанка.

Вот где тут советский плакатный стиль? Дейнека разный, как истинный художник и большой мастер он не заклинивается на одной теме, не является только пропагандистом, а, как и многие другие выдающиеся советские художники, например, Юрий Пименов или Константин Юон пишет отличные картины для себя, и для души, которые являются образцами чистого искусства, свободного от идеологической шелухи. Не случайно картины Дейнеки востребованы и сейчас на Западе.

Ню Дейнека вообще писал достаточно смело, был в этом определённый вызов условностям дореволюционной России, а в 30-начале 40-х годов на подобные вольности советские чиновники закрывали глаза —  художник, что с него возьмёшь, главное НЮ там по делу и без лишней пошлости. И действительно, в работах Дейнеки всё естественно, даже самая строгая советская цензура придраться не могла, чем-то подобное умение писать обнажённую натуру схоже с работами Аркадия Пластова.

 

Купальщицы

В послевоенные годы тучи над Дейнекой стали сгущаться. На его модернистскую манеру писать картины стали смотреть косо — обычный соцреализм был объявлен единственно верным художественным направлением и писать полагалось исключительно в реалистическом ключе, без всяких творческих экспериментов. Впрочем, до опалы дело не дошло, и работать Дейнеке никто не мешал.

 

 

Выходной день

А ещё у Александра Дейнеки было много картин, совершенно не укладывающихся в классическую плакатную соцреалистическую живопись, лирические пейзажи и даже НЮ на грани как, например, картина «За занавеской» 

[ВАЛЕНОК]

Картина из 4-х частей: Пигмалион и образ 1878 г.

 

Цикл из 4-х картин «Пигмалион и образ» создал художник Бёрн-Джонс Эдвард Коули. В основе лежит известный сюжет античной мифологии о любви скульптора к созданной своими же руками прекрасной скульптуре.

На самом деле, Коули создал две серии из 4-х картин на эту тему. То есть всего картин не 4, а 8. Но более ранняя версия хранится в частной коллекции у некоего лорда, тогда как второй вариант находится в Бирмингемском музее и художественной галерее в Англии.

Пигмалион и жена его Галатея, а также дочь (она же сын) по имени Пафос.

Многие слышали, что скульптора, который сумел создать настолько прекрасное творение, звали Пигмалион. Также многие (а пожалуй, что даже все) слышали про Галатею. Поскольку и миф, и многочисленные картины на этот сюжет — много раз были обыграны в разного рода фильмах и романах.

Но мало кто знает, что Пигмалион по некоторым источникам был родом с Кипра. А иногда его называют даже царем этого острова.

А самое интересное, что у Пигмалиона и Галатеи родился сын, которого звали Пафос. По другим источникам — это была дочь по имени Пафос. Забавная путаница, согласитесь?

Но вернемся к картинам серии «Пигмалион и образ».

Первая часть (верхнее фото) называется: Сердечные желания или желания сердца.

На ней мы видим, что скульптор обдумывает замысел будущей скульптуры. При этом он не обращает никакого внимания на реальных и вполне доступных женщин, которых он презирал, считал недостойными и далекими от его задуманного идеала.

 

 

Вторая часть: Удержанная рука или Рука воздерживается.

На втором полотне мы видим уже готовую работу скульптора. Название этой части говорит о том, что сам создатель боится прикоснуться к холодному мрамору, настолько чистой и возвышенной он считает свое создание.

Однако, Пигмалион не смог сохранить отстраненность и обратился с молитвами к Афродите, чтобы та вдохнула жизнь в Галатею.

Третья часть: Божественное одушевление или Огни Божества. (Пигмалион сумел тронуть сердце Афродиты и она смогла оживить скульптуру).

 

В том, что перед нами богиня Афродита — можно не сомневаться. Морская вода, голуби и цветы — это все символы, при помощи которых художники изображали этот мифический образ.

И вот осталось показать вам 4-ю часть серии «Пигмалион и образ».

Она называется: Душа достигает или Постигшая душа. Тут мы видим Пигмалиона, который безмерно счастлив, что Галатея ожила и станет его женой.

 

 

Вся эта серия была показана на выставке в лондонской галерее в 1879 году. Работы художника Коули имели ошеломительный успех у публики. Несмотря на довольно откровенные изображения, ценители посчитали этот цикл вполне подходящим изображением возвышенной и даже неземной божественной любви.

Вот такая история шедевров, созданных  в 1878 году, то есть 144 года назад. Словом, давно жил Эдвард Коули художник. А сам Пигмалион и его Галатея — настолько давно придуманы, что трудно даже вообразить.

[ВАЛЕНОК]

Уж лучше ЦЫГАНИЗАЦИЯ под венгерский бит от художника Шарля Рока...

 

© Charles Roka / Шарль Рока / Венгрия/Норвегия / 1912-1999

Не скрою, что иногда листаю вниз ленту своих публикаций на этой платформе и наталкиваюсь на незаслуженно покрытые архивной пылью статьи про достойных и интересных художников. И по этой причине я стряхиваю с них эту пыль и публикую вот такие ссылки на эти обзоры в своей ленте, чтобы вновь подписавшиеся на мой канал смогли ознакомиться с теми статьями, которые были ранее встречены посетителями платформы Дзен с интересом. А чтобы эта ссылка
более эффективно сработала, я добавляю здесь несколько работ художника, которые ранее не смогли войти в представляемую ниже по ссылке старенькую публикацию об этом авторе. И уж лучше ЦЫГАНИЗАЦИЯ в эти праздничные дни, чем все остальное там на ....зацию кончающееся...

 

© Charles Roka / Шарль Рока / Венгрия/Норвегия / 1912-1999

 

© Charles Roka / Шарль Рока / Венгрия/Норвегия / 1912-1999

 

 

© Charles Roka / Шарль Рока / Венгрия/Норвегия / 1912-1999

 

 

 

© Charles Roka / Шарль Рока / Венгрия/Норвегия / 1912-1999

 

© Charles Roka / Шарль Рока / Венгрия/Норвегия / 1912-1999

 

© Charles Roka / Шарль Рока / Венгрия/Норвегия / 1912-1999

 

© Charles Roka / Шарль Рока / Венгрия/Норвегия / 1912-1999

После этого небольшого обзора я продолжаю вам рекомендовать более подробно ознакомиться с биографией и творчеством художника из Венгрии, который однажды встретил в Марселе девушку- цыганку и после этого сделал её единственным персонажем своих картин...

[ВАЛЕНОК]

Художник Эгон Шиле

Откровенные изображения скандально известного художника Эгона Шиле в начале XX века шокировали венское общество. Его шедевры и факты биографии не щадит также современная цензура. Читайте статью и отправляйтесь в музеи!

 

Эгон Шиле. Фрагмент рисунка

Художник Эгон Шиле

Курс лекций старшего научного сотрудника ГМИИ им. А.С. Пушкина

 

 

 

Эгон Шиле

Детство

Эгон Шиле родился в скромной семье в Тульн-ан-дер-Донау («на Дунае»), маленьком, но оживленном австрийском городке, также известном как Блюменштадт, или «город цветов». Он был третьим ребенком Адольфа Шиле, начальника станции Австрийских государственных железных дорог, и Марии Соукуповой из чешского города Чески-Крумлов (Крумау), где сейчас находится Художественный центр Эгона Шиле — музей, посвященный творчеству художника. У Шиле были две старшие сестры, Мелани и Эльвира. Мелани часто позировала Шиле и в конце концов вышла замуж за его близкого друга Шиле, художника Антона Пешку. У Шиле также была младшая сестра Герти (Гертруда), с которой он был очень близок.

 

 

 

Эгон Шиле

Хотя Шиле никогда не был примерным учеником, один из его учителей рисования в начальной школе признал в Шиле природный дар к рисованию и посоветовал ему пройти специальное обучение. После смерти отца Шиле под опеку взял его дядя и крестный отец Леопольд Чихачек. В 1906 году Шиле поступил в венскую Akademie der bildenden Kunste (Академию изящных искусств), которую также посещал Густав Климт.

 

 

 

Эгон Шиле

Ранняя практика

В 1907 году Шиле разыскал Климта, работами которого сильно восхищался, и между ними быстро установились отношения наставника и подопечного, которые оказали большое влияние на раннее развитие молодого художника. Климт не только оказал свое влияние на Шиле, но и познакомил его с коллекционерами, моделями и другими художниками, такими как Винсент Ван Гог, Эдвард Мунк и Ян Тороп. Это крайне важно, поскольку тогда было мало возможностей учиться из-за относительной изоляции Вены от европейских авангардных движений в то время. Через Климта Шиле также познакомился с Wiener Werkstätte, мастерскими декоративно-прикладного искусства Венского сецессиона, движением, которое имело тесные связи с другими стилями современного искусства того периода.

 

 

 

Эгон Шиле

В 1908 году, когда ему только исполнилось восемнадцать, Шиле принял участие в своей первой групповой выставке в Клостернойбурге, маленьком городке к северу от Вены. В следующем году Шиле и несколько сокурсников покинули Академию в знак протеста, сославшись на консервативные методы обучения и неспособность принять более дальновидные художественные практики, охватившие Европу. В рамках этого протеста Шиле основал Neuekunstgruppe (Новую художественную группу), состоящую из других молодых недовольных художников, покинувших Академию.

 

 

 

Эгон Шиле. Фрагмент рисунка

Новая художественная группа не теряла времени зря, провела несколько публичных выставок по всей Вене, в то время как Шиле исследовал новые способы живописного выражения, отдавая предпочтение искажениям и зубчатым контурам формы, более мрачной палитре. Шиле постепенно дистанцировался от стиля, популяризированного Климтом, тем не менее они оставались близкими друзьями до самой смерти Климта в начале 1918 года.

 

 

 

Эгон Шиле

Пик карьеры

Вскоре после создания Neuekunstgruppe Шиле начал пользоваться успехом как художник и рисовальщик. В 1911 году состоялась его первая персональная выставка в венской галерее Митке.

Работы Шиле шокировали венское общество, в то же время он продал многие из своих откровенных изображений частным коллекционерам. Когда пять газет раскритиковали его работу, Шиле написал: «Сделали очень много рекламы с моими запрещенными рисунками».

 

 

 

Эгон Шиле

Следующий год стал решающим для Шиле как в личном, так и в творческом плане. В дополнение к участию в ряде групповых выставок — в Будапеште, Кельне и Вене — Шиле был приглашен Galerie Hans Goltz в Мюнхен, чтобы показать работы вместе с членами группы экспрессионистов Der Blaue Reiter, в которую входили Василий Кандинский, Франц Марк и Алексей фон Явленский. Среди работ Шиле того времени был его самый известный «Автопортрет с китайским фонариком» — захватывающее исследование художника, его лица и других черт, изобилующих линиями, шрамами и едва уловимыми уродствами. Галерея Гольца предоставила одну из лучших экспозиций Шиле на сегодняшний день, показала публике символизм и мрачные аллегории художника.

 

Эгон Шиле

В том же 1912 году, живя в австрийском городке Нойленгбах, Шиле был арестован в своей мастерской и заключен в тюрьму на двадцать четыре дня по обвинению в похищении двенадцатилетней девочки. В конечном итоге обвинения были сняты. Полиция конфисковала 125 его «дегенеративных» работ, и судья символическим жестом сжег один из его рисунков в зале суда. Инцидент оказал заметное влияние на творчество Шиле.

Поздний период

Несмотря на приближение Первой мировой войны, карьера Шиле процветала. В 1913 году он провел свою первую персональную выставку в Мюнхене, а в 1914 году персональную выставку в Париже. Его личная жизнь также изменилась. В 1915 году он написал другу: «Я намерен выгодно жениться» и сделал предложение Эдит Хармс, молодой женщине с хорошим социальным положением. Девушка Шиле бросила его после известия о помолвке, так появилась работа «Смерть и девушка».

 

Эгон Шиле

Шиле был призван на военную службу через четыре дня после женитьбы. Впрочем, он никогда не видел настоящих боев на протяжении всей войны, ему было разрешено продолжать заниматься искусством и участвовать в выставках, где бы он ни находился. Вдохновленный путешествиями, Шиле создал серию пейзажей.

В 1917 году Шиле вернулся в Вену и начал усердно работать. В том же году они с Климтом стали соучредителями городского Кунстхалле, нового выставочного пространства. В следующем году у Шиле случился инсульт, пневмония унесла жизнь Климта.

 

 

 

Иллюстрация: The Art Institute of Chicago

Всего через месяц Венский Сецессион провел свою сорок девятую ежегодную выставку и отдал основное пространство работам Шиле, что принесло ей большой коммерческий успех. В октябре его жена Эдит, находившаяся на шестом месяце беременности, скончалась от эпидемии испанского гриппа, охватившей Европу в то время. Через три дня умер сам Шиле.

[ВАЛЕНОК]

Эта картина отражает дикую традицию дореволюционной России

 

«В самом деле, выражаются иногда про "зверскую" жестокость человека, но это страшно несправедливо и обидно для зверей: зверь никогда не может быть так жесток, как человек, так артистически, так художественно жесток»
© Фёдор Михайлович Достоевский.

Эпизод 1. "Бучкури"

Александр Алексеевич Бучкури - русский, а затем и советский художник. Родился он в 1870 году, в Бутурлиновке (где-то в Воронежской области). Если есть кто-то из Бутурлиновки - отзовитесь в комментариях! Учился юноша сначала в Воронежской бесплатной рисовальной школе, а затем у известного живописца Репина (и был, к слову, одним из лучших его учеников). Александр Алексеевич очень любил русскую деревню. На его полотнах часто можно встретить деревенских красавиц. Но также художник писал картины на исторические темы. Именно к этому жанру относится наша сегодняшняя героиня - картина «Вывод».

 

этот красивый юноша - художник Александр Бучкури

Эпизод 2. "Вывод"

Бучкури хотел написать это полотно гораздо раньше - в 1910 году, на конкурс, но его учитель (все тот же Репин) не оценил задумку. Пришлось доделывать картину гораздо позже и уже самостоятельно. Итак, в 1936 году публика увидела эту работу и была, мягко говоря, шокирована. Чем же? Сейчас выясним!

При первом взгляде (да и при втором тоже) на картину, все выглядит довольно жутковато. А что, собственно, тут происходит? Изображена жутковатая традиция, существовавшая в дореволюционной России. Если женщина была уличена в измене, то ее голую выводили на улицу, привязывали к лошади и проводили по всей деревне. Сзади на санях мы видим мужа, который хлещет бедную женщину кнутом. Лица деревенских жителей - это отдельная история, здесь вся гамма человеческих эмоций!

Не исключено, что художник для написания полотна вдохновлялся рассказом писателя Максима Горького (он лично наблюдал это процесс) под одноименным названием «Вывод»:

«По деревенской улице, среди белых мазанок, с диким воем двигается странная процессия... К передку телеги привязана веревкой за руки маленькая, совершенно нагая женщина, почти девочка. Она идет как-то странно - боком, ноги ее дрожат, подгибаются, ее голова, в растрепанных темно-русых волосах, поднята кверху и немного откинута назад, глаза широко открыты, смотрят вдаль тупым взглядом, в котором нет ничего человеческого... Ноги женщины, стройные и маленькие, еле ступают по серой пыли, весь корпус изгибается, и нельзя понять, почему женщина еще держится на этих ногах, сплошь, как и все ее тело, покрытых синяками, почему она не падает на землю и, вися на руках, не волочится за телегой по теплой земле…»

А.А. Бучкури - «Вывод»

[ВАЛЕНОК]

На изящном: история картины «Смерть Сарданапала», или Особенный романтизм Делакруа

Искусствовед Эрнст Гомбрих называл Делакруа «первым в длинной череде великих художников-революционеров». В постоянной рубрике #на_изящном автор телеграм-канала Art is New Sexy Мария Аборонова разбирается, чем вдохновлялся французский живописец и где лежат истоки его романтизма.

 

 

 

 

 

 

 

 

На изящном: история картины «Смерть Сарданапала», или Особенный романтизм Делакруа

Делакруа не скрывал, что написал эту работу под впечатлением от драмы Джорджа Байрона «Сарданапал» (1821). Он вообще часто изображал сюжеты из произведений Байрона и других писателей: Вальтера Скотта, Шекспира, Гете. Типичный романтик: вдохновлялся всем подряд.

Драма Байрона же была основана на античной легенде о некоем ассирийском царе, который правил за 64 года до основания Рима. По легенде, он интересовался не скучным управлением страной, а праздной жизнью и оргиями, поэтому в итоге развалил страну, начался мятеж, а Сарданапал, не сумев его подавить, решил красиво уйти из жизни. Устроил очередную оргию, на которой приказал убить себя, коня, собак, слонов, наложниц, все сжечь и развеять прах над Тигром.

Считается, что это был такой собирательный образ как минимум двух ассирийских царей: Ашшурбанипала, последнего царя Ассирии, правившего в 669–627 годах до нашей эры, и его сына Син-шар-ишкуна (633–612 годы до нашей эры), на котором закончилась династия ассирийских царей и чья смерть чем-то похожа на кончину Сарданапала. В 612 году до нашей эры, чтобы не попасть в плен союзного войска мидян и вавилонян, Син-шар-ишкун поджег свой дворец и сгорел в нем. Есть версии, что образ был дополнен чертами ассирийского царя Син-шар-ишкуна и вавилонского царя Шамаш-шум-укина. Очень простые и легко запоминающиеся имена.

В общем, в реальности такого царя не было, поэтому, как вы понимаете, оставался огромный простор для фантазии и очень сочный сюжет для любого произведения искусства. Вывод на свет пыльной легенды про Сарданапала был связан с присущим романтизму желанием переосмыслить Античность в контексте современных событий и, конечно, посмаковать жестокие подробности.

 

Но мотивы Байрона и Делакруа разнились. Царь Сарданапал для Байрона — метафора заката абсолютистской власти во Франции и кризис власти в Европе в целом. Он близко к сердцу принимал все эти события, поддерживал протест луддитов против промышленной революции и даже умер в революционном городе Миссолонги в Греции, куда уехал помогать революционному движению, в возрасте 36 лет от лихорадки. Делакруа же в этом смысле не был классическим романтическим художником и такой смысл в свою картину не вкладывал. Он никогда не принимал сторону восстания, не поддерживал и не критиковал открыто ни один из режимов. Хотя и работал с властью (например, расписывал муниципальные здания), но это были чисто коммерческие отношения. Он писал картины на революционные темы, но эти события были для него скорее заголовками из газет. Например, он написал свои знаменитые картины «Резня в Хиосе» (1824) и «Греция на руинах Миссолонги» (1826), ни разу не посетив Грецию и не особенно интересуясь его историей. Делакруа оставил подробный дневник, в который ежедневно записывал свои мысли, и там не обнаружено никаких следов скорби по трагическим событиям в Греции или желания ассоциироваться с бунтовщиками.

Эжен Делакруа, Греция на руинах Миссолонги, 1826Alamy/Legion Media

Французскую революцию 1848 года он и вовсе не отразил в своих работах, хотя это было, мягко говоря, не самое незаметное событие. Первая европейская революция, отречение от престола короля Луи-Филиппа I, провозглашение Второй республики — а Делакруа в это время писал охоту на львов в Марокко.

Так что нельзя сказать, что Делакруа ставил своей целью законспектировать какие-то современные события буквально или метафорично, используя античные мифы. Любовь к мифам вообще была во многом связана с тем, что Делакруа не переносил академизм, обожал Рубенса и часами проводил в Лувре, копируя его работы.

Тем не менее не будем забывать, что любой художник в первую очередь ориентируется на спрос и стремится удовлетворить его, чтобы заработать.

Романтизм появляется на фоне промышленной революции, появления паровой машины, паровоза, парохода, фотографии, когда на смену ручной работе пришла машинная продукция и появились фабрики. Индустриальная революция и разрыв с традицией привели к тому, что, с одной стороны, у художников появился выбор, какой сюжет и стиль выбирать для картины, а с другой стороны — возникновение среднего класса трансформировало образ их стандартного заказчика. Деньги теперь были не только у знати, и вкусы публики заметно ухудшились. В глазах нового рабочего класса художник находился где-то на уровне мошенника, который просил деньги непонятно за что.

 

Поэтому на примере «Смерти Сарданапала» обращение Делакруа к Античности было в том числе ответом на запрос публики. Он намеренно стремился «эпатировать буржуа», чтобы выделиться из общей массы, а выбранный сюжет служил отличным оправданием для изображения откровенных и кровавых сцен, которые развлекали современного зрителя.

Античные сюжеты в XIX веке пользовались спросом, интерес к древним культурам в то время был довольно высок, но нельзя сказать, что картина о Сарданапале была продиктована только лишь этим. В любое время существовали и существуют популярные философские мысли, основанные на современных научных теориях. " data-title="">Есть версия, что романтизм, помимо промышленной революции, испытал на себе влияние теории катастроф основателя сравнительной анатомии и палеонтологии Жоржа Кювье.

Земная история по Кювье была чередованием сравнительно длинных эпох покоя и кратковременных трагических событий. В обществе эта теория в совокупности с индустриальным прогрессом сформировала взгляд на мир как на постоянно обновляющийся процесс, одним из инструментов которого была катастрофа. Таким образом, стихия и социальные катаклизмы оказались сравнительно одинаковыми. Революция приравнивалась к землетрясению. Одно трагичное событие сменяется другим, и это происходит с начала времен. Бесконечность этого процесса вызывала некоторую безысходность и неважность деталей, лиц, времени действия, ощущение, что все прекрасное будет безвозвратно утрачено.

Очень точно передает смысл этого состояния немецкое слово Sehnsucht — «ностальгия», желание вернуться к некоему состоянию покоя и счастья, когда-то знакомому, но утраченному, желание, никогда не достигающее цели.

Делакруа и в этом случае не только отражал запрос на популярную тему — он сам прекрасно чувствовал на себе эту постоянную «катастрофу»: от империи Наполеона Первого к падению монархии, от возвышения античных идеалов до появления капитализма.

[Веро]

большое СПАСИБО Валенок
немного не в тему

а  эпооха прерафаэлитов. Вам нравится  ?

Изменено 7 января, 2023 пользователем Веро

[ВАЛЕНОК]

45 минут назад, Веро сказал:

 эпоха прерафаэлитов. Вам нравится  ?

Нет.

Вот мой выбор

[Веро]

6 часов назад, Веро сказал:

большое СПАСИБО 

Валенок
немного не в тему

а  эпооха прерафаэлитов. Вам нравится  ?

 

 

а Вы оказывается писали про них выше
  художник  Бёрн-Джонс
по моему прерафаэлит ?

 

Цикл из 4-х картин «Пигмалион и образ» создал художник Бёрн-Джонс Эдвард Коули.

Изменено 7 января, 2023 пользователем Веро